推荐阅读
打造玉石质感
教程是王敬的PS质感系列教程，飞特已经有了其他的质感教程，但是这一个玉石质感的没有，我把这个发布过来，这样就比较完整了，我们先看看最终效果图 下面是具体的制作步骤：首先制作出玉佩的形状。 添加图层样式，“斜面与浮雕”选项。
《玩转RAW格式》―基础篇
一、什么是RAW文件？RAW文件主要是一种记录了数码相机传感器的原始信息，同时伴随着一些由相机所产生的一些元数据（metadata，诸如IS0的设置、快门速度、光圈值、白平衡等）的文件。不同的相机制造商会采用各种不同的编码方式来记录raw数据，进行不同方式的压缩，个别还甚至对raw数据进行加密。所以，不同的制造商对各自的raw文件采用不同的文件扩展名，如Canon的.CRW、Minolta的.MRW，Nikon的.NEF，Olympus的.ORF等，不过其原理和所提供的作用功能都是大同小异的。二、为何要选择RAW格式？答案是非常简单的，我们来看一下在绝大部分数码相机内部，拍摄JPG的话，其生成过程是怎样的。从CCD/CMOS得到原始Raw数据后，把之前设置好的各项参数，如sRGB或是Adobe RGB的色彩空间、锐化值、白平衡、对比度、降噪等，更多的是再加上一条强S形的曲线（提亮亮部、压暗暗部）进行变换（为什么要这样？这是因为CCD/CMOS捕获光子能量是基于一种线性Gamma（Gamma 1.0），可是人眼对光的感觉的却是非线性的，如果不进行这个操作的话，图像是暗得没法看的。并且不清楚原因的人看了后绝对不会去买数码相机，厂商恐怕要倒闭了），得到变换后的图像，再按照你所设定的JPEG质量（诸如SHQ、HQ、M、S）进行压缩，得到JPG文件。而拍摄RAW格式的话，机身上的所有设置除了ISO、快门、光圈、焦距之外，其它设定一律对RAW文件不起作用，因为上述的色彩空间、锐化值、白平衡、对比度、降噪等的所有操作必须在转换Raw时才指定，一切都由你自己控制。打个最简单的比方，拍JPG就像是自己拍照，然后拿给相机制造商的打片手来帮你出片；而拍RAW格式则是自己拍照、自己冲洗底片、自己出片。（看看为什么Olympus Studio中把英文版的“Raw Development”翻译成中文版的“Raw显像”就知道了）也许有很多人对后期的处理（或是对PS）嗤之以鼻，觉得前期拍摄时相机后面的脑袋是最重要的。没错，对于这一点，本人也十分赞同。可是，既然有前期那种认真对待摄影的精神，为什么就不能把这种态度用后期制作上去呢？以前我们一直埋怨拍的片子被冲印店的打片手糟蹋，于是转向拍翻转，算是让自己有了更大部分的操控权。现在到了数码，从头到尾都可以让自己完全控制，又为何要将其拒之千里之外呢？况且，更是由于数码的原因，假设后期出片（这里指的不是PS，而是相当于底片显影的过程）不认真处理的话，前期付出的努力再多也可能没法弄出真正质量高的片子。三、关于传感器主流的数码相机传感器，主要有CCD、CMOS和Foveon X3。对于Foveon X3的工作方式，可自行到Foveon的主页上去查阅，这里主要只简单地讲一下CCD/ CMOS的工作方式，对我们使用raw就已经足够了。数码相机传感器是由横竖两个方向密集排列的感光元件（CCD或CMOS）组成的一个二维矩阵，常见的有如下图示的Bayer模式的排列方式，每个CCD就对应一个像素。其中R感应红光、G感应绿光、B感应蓝光，而在Bayer模式中G是R和B的两倍（因为我们的眼睛对绿色更敏感）图1在矩阵内的每个CCD或CMOS只是用来感受光子的能量，因应进入光线的强度而产生对应比例的电荷，然后将这些电荷信息汇集并经过放大，储存起来。而应当知道的是，raw纪录的只是每个像素位置的电荷值，它是没有记录任何的颜色信息的。所以CCD是“色盲”的，也就是说：RAW文件只是灰度文件而已！我们可以这样去想象一下充满电荷的CCD/CMOS，就像下图一样：图2因此任何一个RAW Converter（如Photoshop的Camera RAW Plugin，Bibble、Phrase One C1 Pro、RawShooter essentials 2005，各厂商自带的Raw转换软件等）的作用就是将这些像素所记录的亮度信息转换成为肉眼所能看见的颜色信息，至于不同的制造商是如何排列传感器矩阵上的RGB或CMY的问题，我们不需要去关心，只要所使用的软件能够支持你的数码相机，就说明他已经了解这个问题，知道该怎么去诠释和处理每个像素上的亮度值。由于现在的CCD/CMOS与Foveon X3的原理不一样，所以对于CCD/CMOS而言，要获得一个像素上的颜色值，必须从邻近的像素中获取信息来进行一种叫做“反马赛克”的运算（Foveon X3可不需要这样），从而得到该位置的颜色值。当然，除此之外，RAW Converter所控制的事情还有下面的这些，而这些也是我们在操作Raw的时候一定得知道的原理。●白平衡――我们的眼睛能够自动的适应不同的环境光线，把最亮的地方解释成白色，其他的颜色依序地去解释。可是传感器却没有人眼的这种功能，它必须知道到底多亮才是白色，因此我们需要设定白平衡来告诉它。在使用Raw拍摄的时候，传感器纪录的只是每个像素的亮度值，白平衡是作为元数据（metadata）记录的，用以在后期RAW Converter转换的时候用的。也就相当于一个起点，也可以理解成在转换函数中的一个必不可少的参数，少了它，其它的颜色就没办法解释。之前小革命好像有篇文章关于拍摄时白平衡不管设置与否，都可以在后期还原的问题。我的看法是在理论上是绝对肯定的，为什么说是在“理论上”？从上面的论述就可以知道，白平衡的设置只是在后期转换时才参与。所以即使拍摄时没有设置正确的白平衡，只要在后期转换时能够输入当时场景的正确的色温值的话，绝对是可以还原出原来的色彩的。可问题就是，有多少人能够在转换时准确的记起当时的色温值。除非在图片中有一处纯白色的参照物，用白平衡吸管吸取该处的颜色就可以正确设置了。这里其实也告诉了我们一个值得去尝试的技巧：拍摄照片时，在构图里放置一个白色物（如白纸，但注意要在不影响构图的地方，也不能太大面积影响曝光读数，并且要让其充分受到现场光线的照射），把它也拍进去。后期转换时候用白平衡吸管吸取这个白色物就可以了，然后把白色物这部分裁掉。可是，对于拍JPG的话，可不是这么一回事。因为拍摄后，就由相机在内部处理转换成JPG，也就是说它必须要用到色温值进行运算。如果这之前没有设定好白平衡的话，那肯定是要偏色的。●色彩演绎――假如你问一千个人哪种颜色是红色，可能你会得到一千种不同的红色。同样的道理，对于CCD/CMOS而言，它不知道究竟什么才算是红色、蓝色、绿色。因此，我们在转换RAW文件时，必须指定红色、蓝色、绿色的定义，也即色彩空间（Color space），不同的数码相机本身就内置了不同的Color space，如sRGB，AdobeRGB等。对于这点，我的理解是，拍摄RAW格式的话，相机里面设置sRGB或者是Adobe RGB都是废的，因为是在转换时才将RGB的定义（即目标Color Space，转换后的文件的Color Space）告诉RAW Converter，因此在转换RAW文件时都会有一个Color space的选项，是你必须指定这个目标Color Space的。所以，如果我们是拍摄RAW格式的话，不要再问到底要设置成sRGB或者是AdobeRGB了，喜欢的话，甚至可以转成ProPhoto RGB也可以！拍JPG的话恐怕对图像质量的追求也不是很高，所以就用sRGB算了。●Gamma 校正――首先你应该先知道什么是Gamma，相关的资料可以自己上网搜索一下。数码RAW格式的拍摄是采用线性的gamma (即gamma 1.0)，可是人的眼睛对光的感应曲线却是一“非线性”的曲线。所以RAW Converter会在转换时都会应用一条Gamma曲线到Raw数据上（简单的理解，就是相当于对原始数据进行一个f(x)的变换，并且注意，f(x)并不是一次的线性函数），来产生更加接近人眼感应的色调。●降噪、抗锯齿和锐化――当图像细节刚好落在CCD矩阵中的单位像素上，或者假设落在了一个R-感光像素和B-感光像素上时，问题就出现了。该细节处的真正的颜色光靠“反马赛克”运算是很难准确地还原出来，也就是说细节会有所丢失。因此，大部分的RAW Converter都会在转换的时候进行一系列诸如边缘检测、抗锯齿、降噪以及锐化等操作。而由于不同软件所采用的算法未必相同，因此使用不同的RAW Converter出来的片的细节也不一样的原因就在于此。哎，打了那么多的字，真的好累了。其实关于Raw要说的还有太多太多，我在做笔记的时候是直接把原文（英文，全书254页，关于Raw的内容就100多页）摘录下来的，所以在写这篇文章时一边看着英文一边思考来写的，甚是痛苦。虽然，如果能够明白Raw相机内部的工髟理的话，以前的所有问题可以迎刃而解。但也许对大多数阅读这篇文章的人来说，关键是要知道怎么用好（转换好）Raw，所以原理的东西不再多讲（涉及较多的数学原理）。假如以后有精力的话再写一篇：[老狐教程]之《玩转RAW格式》――软件篇，专门介绍Camera Raw 2.4。最后，把大家必须知道的关键性的东西列出来（以Camera Raw 2.4 for Photoshop CS Plugin 为例）：图41、任何的操作，能够用Camera Raw进行的，都不要留到转换后到PS中去操作。这里的原因我只简单地说：转换前和转换后的操作有根本性的区别，转换前的各种操作，实际上是在定义一系列的参数（如色彩空间、锐化值、白平衡、对比度、降噪等），然后交给转换函数（其实就是Dcraw，一个开源软件，Dave Coffin。他有多厉害，看看下面这些RAW Converter软件，都是基于Dcraw：Adobe Photoshop、Bibble、BreezeBrowser、Conceiva Lightbox、 cPicture、dcRAW-X、Directory Opus Plugin、dpMagicGraphicConverter by Thorsten Lemke、IrfanView、IRIS image processor for astronomers、Lightbox、 Photo Companion、Photo Jockey、PhotoReviewer、PolyView、PowerShovel-II、 RawDrop、RawView、SharpRaw by Duane DeSieno、SilverFast DCPro、ViewIt、 Viewer n5、VueScan）进行运算，生成目标像素的颜色信息。相当于一个f(x)，f(色彩空间的定义，锐化值，白平衡，对比度降噪)= 目标像素的颜色，只要这个颜色值不超出目标色彩空间的色域，它就是有效的颜色信息。但如果是转换到较小的色域中，是会出现部分颜色被裁掉（即目标像素的颜色超出了色彩空间（如把一副包含颜色信息相当丰富的图像转换到sRGB的Color space时）。可是在图像已经转换（显影）后，再到PS中操作的话，如Level、Curve，Hue/Saturation等，都是基于目前已有的像素颜色值进行操作，而且是非线性的操作，必然会造成不可逆的信息损失。举个例，一个非线性的转换f(x)=x^2（x的平方），x=3或x=-3，得到的结果都是9，必然有颜色信息被压缩。又如，Camera Raw 2.4中所提供的Exposure、Shadows所提供的作用相当于PS中Level里面的White Point和Black Point，那么假设我们把亮度值为245的点设为白点（255），在Level中的结果是从245到255两度的点全部变成白色，这好像问题不大。可是最致命的就是，原来从0到245之间的点都被拉伸成0到255，那中间没有的颜色信息从何而来？那些就是“捏造”出来的颜色，采用插值的算法算出来的。这也就是为什么应用完Level后再看一下直方图会看到中间有很多不连续的断线（这里我不上图说明了，如果对PS的Level相当熟悉的话，应该能理解）。可是，如果在Camera Raw中设定Exposure有什么不一样呢？在Camera Raw中实际上只是给定了一个参数值，让函数去把所有的像素重新计算，因此得到的是有效的像素颜色信息。2、关于锐化的问题，是用软件（Camera Raw 2.4）自带的锐化功能好还是PS中的Unsharp Mask好？答案绝对是软件（Camera Raw 2.4）自带的锐化功能。……在图像中，边缘是由灰度级和相邻域点不同的像素点构成的。因而，若想强化边缘，就应该突出相邻点间的灰度级的变化……(《Delphi 数字图像处理高级应用》刘骏)，也就是说，锐化的算法，一般是通过对灰度值进行运算的。那么，不用解释，你也知道PS中的是对以转换后的像素值（已有的像素基础上）进行操作。软件自带的锐化功能由有何不同呢？先说锐化过程：像素灰度化-->边缘检测-->灰度强化-->还原出R、G、B分量而像素灰度化的几种方法：1）求出每一个像素点的R、G、B的平均值，然后把这个平均值赋给该像素点的R、G、B三个分量2）求出每一个像素点的R、G、B三个分量的最大值，然后把这个最大值赋给该像素点的R、G、B三个分量3）根据YUV的颜色空间，Y分量的物理含义就是量度，它包含了灰度图的所有信息。而Y=0.299R+0.578G+0.114B上面几种方法，不管RAW Converter采用的是哪一种（甚至是其它的），从灰度的raw数据直接进行边缘检测，与现将转换后的像素的R、G、B变成灰度在检测，你认为那种效果好呢？B R U C E F R A S E R在书中对这一问题的看法是留下余地到PS中Unsharp Mask（认为Camera Raw 2.4的选项少，只有Sharpness一个。而Unsharp Mask有Amount、Radius、Threshold，余地较大）。就这一问题，我做过多次尝试，从一副饱含细节图像，经过Camera Raw 2.4锐化后所看到的细节，用Unsharp Mask不管Amount、Radius、Threshold怎么调都出不来那种效果，要么就锐化过渡（有些细节就是看不到）。在这里也教一个Photoshop做锐化的Trick：把图像转成Lab模式，在对L通道进行Unsharp Mask，再转回RGB模式，效果比直接对图像进行Unsharp Mask好。3、如果只要800X600的片上网交流，把2240 X 1680（甚至更大）的图片Resize到800X600，原图是否需要先锐化呢？缩小以后不是什么都一样吗？错！实践证明，先用RAW Converter锐化后再Resize，能看到的细节还是能看到。不做锐化的话是绝对看得出区别的！信不信由你！4、拿到外面出片的话选Adobe RGB（在RAW Converter里，不是相机里！），上网交流的话选sRGB，不要先选了Adobe RGB进行转换后，去到PS里面再转成sRGB！但如果希望转换后作进一步处理，如加框或加签名等，就先选了Adobe RGB进行转换去到PS里面再转成sRGB。5、Depth和第4点一样。拿到外面出片的话选16 bits/channel，上网交流的话选8 bits/channel，不要先选了16 bits/channel进行转换后，去到PS里面再转成8 bits/channel！但如果希望转换后作进一步处理，如加框或加签名等，就先选了16 bits/channel进行转换去到PS里面再转成8 bits/channel（但如果你想用一大堆的滤镜对图片进行操作的话，还是直接用8 bits/channel吧，因为PS中很多滤镜在16 bits/channel下不能用）。6、如果打算出小图上网交流，在Camera Raw 2.4中的Size尽可能选最小的直接出（对于正方形的CCD/CMOS像素），不要出原大在PS中Resize缩小！对于Fuji SuperCCD（六角形的）则相反，尽量出大的在PS中Resize缩小。（B R U C E F R A S E R说的）7、Camera Raw 2.4中的Exposure宁减勿加，减的话能恢复更多高光区细节，加得太大的话很容易在阴影区产生噪点。8、Camera Raw 2.4中的Brightness相当于PS Level中的midtone――中灰度；Contrast相当于Curve；Saturation有点类似于Hue/Saturation。其中各项的调整所产生的结果如下图：图3
Macromedia Fireworks MX的新特性二
参考材料：Fireworks MX Help“一个舒适的、直观的工作环境使得Macromedia Fireworks MX成为一个容易学习和快速使用的理想工具 ”Macromedia如是说，“它的新界面组织的更好更合理，同时也和其他Macromedia MX Studio的成员相一致。”那么接下来就让我们看看，究竟有哪些方面是经过改善了的。 增强的面版管理 改进了的可伸缩的面版，当你需要使用时可以将它显示出来，不需要时隐藏起来只显示面版的标题。另外你也可以随意配置面版的组合方式，在需要的时候将他们显示或隐藏起来。这个特性显然是所有MX软件共有的。属性面版 属性面版（Properties Panel）会随着当前对象的不同而显示出相关的参数供使用者调节，而不是象以前的版本一样需要根据当前的状态吊出相关的面版来设置参数。非模态的位图和矢量编辑 存在于上一版本的位图编辑模式和矢量编辑模式的切换已经不会再有了，取而代之的是当你选择一个对象或工具时软件会自动判断相应的编辑模式并且切换过去。我试了一下，如果你在矢量编辑模式下选择位图编辑工具的话，鼠标会变成一个“叉”的图标，提示你不可用，反之宜然。工具面版 新的工具面版（Tools Panel）将不同类型的工具分开排列，分别有选择工具（Select）、位图工具（Bitmap）、矢量工具（Vector）、网络工具（Web）、颜色工具（Colors）、视图工具（View），这样更方便用户选择恰当的工具来使用。快速输出按钮 可以将已经创作好的图形输出为其他各种格式，甚至包括了一些Adobe公司和微软的网络制作产品的格式，或者快速启动另外的Macromedia软件来帮助创作，在菜单里我们可以看到，除了三剑客之外，Freehand和Director的MX版本也即将推出。屏幕上文字 这是一个从Photoshop 6.0学习过来的文字编辑方式，它省确了以前的文字编辑器（Text Editor），支持直接在屏幕上输入文字，以前所有和文字相关的修改选项都被放在属性面版里来调整。量化的缩放工具 在文件文件底部显示具体的被放大或缩小的倍数。（这个功能好象以前的版本就有？） Windows XP和Macintosh OS X支持 支持最新的Windows XP和Macintosh OS X操作系统。 XHTML输出 可以输出最新的XHTML代码供Dreamweaver MX使用。 回答面版 MX系列软件中的新面版，其实就是一个联机支持的功能，只要你连上网就可以方便的在Macromedia的网站上寻找相关的资料和最新的文档。（提供了几个链接而已，难道我自己不会找？）拼写检查器 和Word相类似的功能，好象用处不大，特别对于中文来说根本没用。 夸平台字体共享 当你把图片传给其他小组成员或客户使用时，无需再担心因为字体而不能正确显示的问题，这到是个不错的新功能。
猴年画猴：CD11绘制小猴头像(3)
9.在工具栏中选择“贝塞尔工具”，绘制出小猴大致形状，当绘制到最后鼠标指针显示为一个斜箭头时就是说明可以将对象封闭起来。（注意，这时只是直线型的。） 10.再选择“形状工具”，在需要变为曲线的线段中间点击一下，然后在“属性栏”的“编辑曲线、多边形和封套”中单击一下“转换直线为曲线”，这时在这条线段上就会出线两个调整节点，用鼠标拖动这条线段或是拖动调整节点则可以对这条线段进行调整，最后调整出一个小猴头的大致形状，并填充黑色做底。 （提示：点击添加节点或删除节点可以在线段上增加或删去节点。） 11.还是利用“贝塞尔工具”和“形状工具”绘制并调节小猴的头发部分，最后填色颜色。 12.再绘制并调整出脸部分 ，填充上色。其实这里的颜色根据个人爱好所定，并没有什么严格要求。
最新发布
将颜色作为构图重点的方法
用穿白衬衫的人物反衬巨大的鲜红旗帜 这张照片为拍摄者拍摄的北京天安门。在天安门之上，飘扬着很多面巨大的鲜红旗帜。从远处观察，则很难感觉出旗帜的巨大。但是从天安门的正下方向上仰望时，可以感受到旗帜的大小着实惊人。为了表现红旗的巨大尺寸，这里使用长焦镜头截取了红旗的一部分。在天安门的观景台附近，正好走过一人，神色威严而庄重，成为了画面的点缀。画面基本上都被巨大的红旗所占据，看上去如小点一般的人物正好处于画面上下方向的三分之一处。以这样的画面构成来取景，可见摄影师为表现画面的故事性下了一番苦功夫。 在此，让我们来仔细琢磨作为点缀的人物安排，不妨用手遮住人物进行对比。当遮住人物时，观者就完全感觉不出旗帜有多么巨大了，正是由于有了这个人物的存在才彰显出旗帜的巨大。衬衫的白色和红旗形成对比，丰富了画面。 用人物的存在表现巨大的旗帜 在风景中极其醒目的颜色势必勾起拍摄欲望 拍摄风景时， 可能会发现极其醒目的颜色。由于颜色非常之醒目，因此看上去很难与其他颜色形成同色系颜色。若在拍摄中发现了这样的重点，那么马上就会形成天然的画面，不要犹豫，赶紧拍下来吧。 需要注意的是画面中作为重点的拍摄对象的朝向和方向，以及作为配角的朝向和方向。例如，如果重点拍摄对象是朝上的，那么就要将其安排在画面的下方，如果重点拍摄对象是朝右的，那么就要将其安排在画面的左边。这些是基本的考虑方法。当然，不按照基本方法来安排也没问题，表现画面的不稳定感也是一种手法。案例为拍摄者拍摄的晚秋的草原上花朵毅然绽放的风景。为了让枯草中鲜艳的花朵更加醒目，拍摄者故意将其拍得较小。枯草具有从右下方向左上方生长的趋势，因此向上生长的花朵被安排在画面左下的交点附近，保持了整体的平衡感。 背景的动感增光添彩决定画面的位置安排 从四个交点中选择与花朵朝向和高度相符的点 将作为主角的花朵安排在画面中的哪个位置更好呢?我们经常会观察取景器，一遍一遍地进行尝试。在这种情况下，若掌握了三分法，就不会有任何犹豫，很快就能决定好构图。将花朵安排在四个交点的任何一个交点上均可。当然，在花朵占据整个画面的构图中，这四点不能移动，但是在拍摄稍微广阔的画面时，将主角安排在交点位置不失为有效的构图法。
如何评论街头摄影作品
如果拍照是为了自己开心，那这篇其实可以不用看了。写这篇是因为常看到国外的一些摄影比赛，以及对资深摄影师们在评论照片时的方式很好奇，而街头摄影更是很难评论的摄影形式，因为街头摄影本身就很难定义，再加上摄影师们的主观意识，更难去有个基准去评断好坏。上网找了一些资深街头摄影师对摄影作品的评论方式，文章影片都浏览不少，加上自己过去的经验，在此分享下如何评论街头摄影作品。 个人感悟 在继续写下去之前必须先说明两点避免误导。 一，街头摄影作品没有“绝对”的好或坏。 二，任何摄影作品的评论都会有观看者的主观意识。 三，请不要认为所有街头摄影“应该”就要用以下的方式评论，街头摄影的历史很久，国内外资深的街头摄影师太多，岂是我一个非专业摄影师能妄自下定论。下面只是我个人的判断经验分享，参考就好。 综合过去一些资深街头摄影师在筛选作及评论作品的方法，以及自己在广告设计业十几年的经验整理出了一点评论街头摄影作品的方法心得。可能会有人问“设计”跟“广告”对摄影作品的评断有什么帮助?设计必须了解构图，色感，对比，画面上物件人物存在的目的，层次，空间感，光影，过去设计上的经验是帮助我在摄影作品理性层面的判断。而广告营销是与消费者沟通，也就是“说故事”。很多时候消费者是靠“感觉”而非明显的讯息，因此广告营销的经验是帮助我在摄影作品感性层面的判断。这样…还说得过去吧?:-) 判断一张照片有很多种因素，不外乎是构图，故事性，色彩，光影等等，但街头摄影不是“随拍”。拍小孩可以是随拍，天气好的时候光线对了拿起随便拍张很有feel的街景是随拍，看到某个有趣的人或场景拍一张也叫随拍，你可以说某张“随拍”是张很有感觉的照片，但是否是好的街头摄影照片就不一定。街头摄影除了有感觉有共鸣之外，在构图以及其它元素的考量也同样重要。以下是几点我自己在看一张街头摄影作品是否纯熟的几个方式，是否每个人都同意或适用这些方法见仁见智。 人“味” 说“人味”而不是“人物”，是因为街头摄影不见得要有具体的“人”出现在画面中，但如果去看一下国外的街头摄影作品，99%的作品中都会有人出现，至少也要有“人”的氛围。例如阳光透过都市杂乱的大楼射下来的光线造成路人的剪影， 影子，人们活动的空间等等。我不断提到“国外”两个字是因为街头摄影是从欧美开始发迹的，从法国发迹，在美国变的成熟。有人称街头摄影作人文摄影，在某种程度上是对人，以及人们所活动的社会周遭作一定程度的纪实。 真实性
美工课时间到啦：DIY鞋盒造出25个针孔相机
针孔相机结构简单，只要你有创意，就可以制造出林林总总独特的相机出来，例如来自法国的摄影师 James Guerin 就制造出同时有25个针孔的相机，于是就可以拍摄出如上图的有趣拼贴作品，效果类似于我们之前介绍的「以宝丽来拼 贴出独特的名人肖像」，这是种特别而有趣的表现手法，运用在针孔相机上也另有一种味道! 原来摄影师得到朋友赠送大量8×10 的底片，是早已停产的Kodak Panalure select RC，加上看到网上如前介绍的类似拼贴效果，于是他就用鞋盒制造出这个25 个针孔的相机，以同一快门在同一底片上拍摄。 原理也不算复杂，主要是用卡纸如上图分隔每个针孔，即是造成25 个独立的针孔相机，再加上以盒盖做机背以载着底片，那就可以开始拍摄，效果相当不错!当然这种设计也较容易出现漏光情况(每个小针孔机之间的漏光)，但总体来说影响还是可以接受。 摄影师还做了一个「镜头版本」，不是针孔了，而是安装了一批150mm 的镜头，对焦更加准确。 有兴趣的话，可以按以下连结了解更多，有较详细的讲解呢。 注：更多请关注摄影教程栏目，三联摄影群:182959594欢迎你的加入
理光GR、GRD IV、GR1外观对比
理光GR系列始于1996年发布的GR1胶片相机，进入数码时代后发展成为GRD系列，而最近宾得理光再次打破传统，将最新高级便携数码相机命名为理光GR。 理光GR与上一代产品GRD IV有着很大的不同，最明显的就是将传感器升级为APS-C格式CMOS。尽管如此，机身尺寸并没有因此而明显变大。搭载18.3mm f/2.8镜头，等效焦距28mm，利用广角镜头附件可扩展至21mm，或装载微距附件将最近对焦距离缩短至10cm。
【人像摄影技巧】人像摄影10项妙技
1. 器材先决? 今时今日，盲目追求器材的人太多，因此「以器材改善画质」似是变成一则笑话。但是200mm 焦距镜头，确实与50mm焦距的所谓标准镜是不同的，因为标准镜的意思，就是指“普通”“一般”“像平常视点”，既然我们希望突破框框，器材始终是一个选项。当然，别以为有器材就天下无敌，使用长焦镜代表你可能会距离拍摄对象较远，找个助手协助沟通是需要考虑的，毕竟「交流」依然是人像摄影关键一环。 2. 高抄与低抄 很抱歉，在示范了高抄与低抄后，人们就以为这些都是拍摄走光照的伎俩。但事实上，有别于水平视点或一般视点，这些技巧往往能够触发非凡的创z，使我们发掘出对象不一样的优点，甚至极端的高抄，例如从天台往下看，或是极端的低抄，例如从水底往上影，就能发现完全不一样的人像体态，这才是人像摄影。 3. 分开镜头与闪光灯 光和影是密不可分的两兄弟，同时存在的话，对象才有立体感、质感与实在感，而且还能释放背景风光，让两者共存。要制造深刻的光影效果，侧光是一个选择，说实在，轮廓较深的人，往往能表现出更强个性，什么照片的灵魂，或许起点于此。 4. 以闪灯克服阳光 阳光令人又爱又恨，某些景点例如海边，强烈的阳光折射要么使背境曝光过度，要么使人像惨遭抢镜，平衡的方法就是用2至4个闪光灯，制造人工光源盖过阳光，以侧光方式强化人像，同时让背境减少曝光。这样出色的景点，与优雅的人像才能同时保留，以制造足够的戏剧感。 5. 追随逆光 光线是摄影的基础，也是奥义，任何摄影师都必须训练出对光线异常敏感的眼睛，无时无刻都留意光源位置，不论是太阳、窗夕、灯泡，每一样都可以制造出富艺术美感的影像，尤其是逆光。逆光可以勾勒出对象的线条，还能从背景突出主体，并且轻易散发浪漫与温馨的感觉。“背光啦”不一定是摄影大忌，而可能是杰作的起点。
新手必学，微距摄影如何入门？
说起微距摄影，现在好多摄友都有在拍：拍些花草植物，拍些虫蜓蝴蝶等等。一旦走进神奇的微观世界，你会感到十分奇妙，这是一个你从不曾熟悉的视觉角度。那么作为一名新手，如何去入门拍摄微距作品呢，下面就是三联小编ehoy提供的一些资料，关于微距摄影玩家是如何将从器材到技巧来进行讲述，让我们一起感受微距的魅力吧~~~~~~~~~~~ 一、器材准备 微距摄影，当然最后是有一个成像好的微距头了，比如原厂百微之类的镜头。但其他一些副厂的微距头既便宜而且效果也不错，也是很不错的选择，可惜这些我都没有，摄影入门爱好者一开始也不会选择先购买微距头，那么我们该怎么拍呢? 在最初的时候，可以用50mm F1.8的标头，光圈开到比较大或者最大，手动对焦，相机离拍摄物体近到一定的距离，这样我们可以很好地虚化背景，来突出主体。 (三联教程配图) 比如这张就是用标头拍摄的，后面的背景最大程度地虚化，主体这朵花就变得突出显著 EXIF： 相机：佳能600D 光圈：1.8 快门：1/2000s 焦距：50mm ISO：100 再后听摄友们说可以用近摄接圈、近摄镜、镜头反接等方法，一样可以拍好微距。 但近摄镜始终有损画质，就没多考虑(其他摄友有用的，效果也还不错);镜头反接呢，手持试验过效果是有的，但是手持久了会比较累，可能配个反接环之类的就比较轻松了;再后者就是近摄接圈了，这个有电子接圈还有普通的铁圈，电子接圈贵一点，好处也很多，可以调节光圈以及自动对焦，真心不错。还是考虑到钱不够，我还是买了个铁圈，三节都用上可以把画面放大到很大。但用铁圈和反接的缺点就是不能调节光圈，对焦的话要前后移动并结合手动对焦才能完成。入门者的起步就是如此…… (三联教程配图)
【风景摄影技巧】确认地平线位置更好的构图
讨论摄影的话题，无论是在画面构图和观点表达上，地平线的存在都有相当重要的地位。正确使用地平线，构图才会变得完美;但若有差错，地平线只会分散观者的注意力，破坏整个画面的平衡。一些经典的规则会告诉你不要把地平线放在画面中心，不过规则也有打破的时候，往往只有等我们尝试多次，才知道此时此景的最佳构图是什么。接下来本文将会尝试用不同的方式放置地平线，看看到底要怎么处理才能获得最好的效果。 低位地平线 抬起镜头将地平线放置照片的底部，是强调戏剧性天空的好方法。当地平线位于画面底部时，这种构图将视觉重心放在了画面上方的天空中。天空之中有什么呢?造型夸张的云彩、飞鸟飞机、高塔建筑……切记如果没有特殊的用意，天空不宜空无一物，因为那样画面会太过空旷，没有焦点，观者很快就会对画面失去兴趣。 低位地平线突出了天空区域，将观众注意力放在静立的风车和流动的云上。 高位地平线 高位地平线与低位地平线相反，将地平线放置在画面上部，使得画面焦点在地面，即是前景位置。同样要注意在此画面焦点上保留兴趣点。许多风光摄影教程让你寻找前景，正是这个用意。木船、湖泊、枯枝、花草……这些都可作为画面前景。 现场天空区域比较空，而前景地面有草地与积水，形成丰富细节。因此使用了高位地平线。 以上两种放置地平线的方法可以在原地抬起或压下相机拍摄角度多加尝试，就可以感觉它们的不同。要注意的是，若用广角镜头，画面变形不可避免，这点对于地平线上的建筑物影响很大。摄影师应该了解自己手上广角镜头的形变情况，看看最多可以把地平线放在哪个位置。这种情况后期校正可以一定程度上帮助调整，但还是应该尽量避免失真。 放置在画面中央的地平线 这也许
【知识大扫盲】微单和单反的差异区别
通常，对相机有所了解的人都认为单反和微单差异的根本就在如上所述的取景方式上，这话说得没错，但实际上单反和微单仍有各种主要结构方面的差异。但构成这些差异的本质就在相机的体积上。 相机的本质工作是拍照，拍照所要达到的目标自然是越来越好的图像质量。但要获得较好的图像质量，往往是以牺牲相机的体积和便携性为代价的。当相机出现在家庭及旅游、生活纪录等场合时，便携性就显得尤为重要。微单的出现正是试图将便携性和成像质量二者达到平衡状态的中庸之道。 什么是单反 台湾及香港地区将单反相机称作“单眼”相机，单反的全称是“单镜头反光相机”Single Lens Reflex Camera，缩写为SLR camera)，又称作单反相机。它是用一只镜头并通过此镜头反光取景的相机。 所谓“单镜头”是指摄影曝光光路和取景光路共用一个镜头，不像旁轴相机或者双反相机那样取景光路有独立镜头。“反光”是指相机内一块平面反光镜将两个光路分开：取景时反光镜落下，将镜头的光线反射到五棱镜，再到取景窗;拍摄时反光镜快速抬起，光线可以照射到感光元件CMOS上。 单反并非数码时代的产物，早在胶片时代就已经存在单反相机。随着照片的载体走向数码化，单反也随同进入数码时代，现在我们所说的单反通常都是说单反数码相机。 单反的内部结构中，有一个反光镜和用于光线各种反射的五棱镜，这些用于将外部光线通过物理反射的方式送达取景器的反光镜和五棱镜(或五面镜)成为单反相机取景的主要部件，也是单反同微单与其他便携式数码相机的最大差别。 通过镜面反射的形式最终让人眼能够在相机的取景器中观察到被摄物体，这种取景器被称作光学取景器。是否拥有光学取景器也可以认为是单反与其他消费级便携式数码相机的最大差异。 什么是微单 微单包含两个意思：微，微型 小巧，单，可更换式单镜头相机，也就是说这个词是表示了这种相机有小巧的体积和单反一般的画质，即微型小巧且具有单反功能的相机称之为微单相机。 普通的卡片式数码相机很时尚，但受制于光圈和镜头尺寸，总有些美景无法拍摄;而专业的单反相机过于笨重。于是，博采两者之长，微单相机应运而生。微单相机介于卡片式数码相机与单反相机之间，如同笔记本
3个应该使用高感光度拍摄的场景
高感光度一直以来被大家认为是洪水猛兽万万碰不得，因为一旦使用高感光度画质就会下降，整个画面充满噪点，基本上就离废片不远了。其实这又是大家被一些所谓高手忽悠住了，若高感光度真的碰不得，为什么各个厂家一直在为提高高感光度画质而努力呢?今天IT168就来告诉大家到底什么时候该用高感光度。 实用场景1：暗光场景 舞台往往就是暗光场景 什么时候遇到? 遇到暗光场景的时候太多了。不管是室内、夜场、舞台还是夜晚的户外都是暗光场景。 为什么要用高感光度? 对于暗光场景，往往会因为快门速度过慢而引发画面模糊的问题。也许你会说可以用大光圈、闪光灯、甚至三脚架来弥补这个问题。但是往往大光圈也起不了多少作用，闪光灯拍出的效果太硬，三脚架能防止自己的手抖却不能保证拍摄主体不动，所以这时候就该考虑提高感光度了。 诚然，如果提高感光度画面质量确实会下降，但是反问一句：一张画质不佳但是拍得清楚的片子和一张画面模糊的废片你会要哪张?相信大家都有一个正确的判断。 实用场景2：偷拍 偷拍就是要隐蔽
【人像摄影技巧】如何拍摄逆光人像
创造明度对比 图1所示是一个逆光的好例子。模特坐在河畔的一个屋檐下，下午晚些时候的阳光从模特身后照来。屋檐为她的脸部创造了一片开阔阴影，但她的脑后则是被阳光照亮的。背景处的河流和桥梁都在明亮的阳光中。附近的混凝土把阳光反射到她的脸上。脸部曝光准确，背景处的河流和桥梁则曝光过度，两者之间形成了很好的对比。 曝光过度在这样的情况下会是你最好的朋友，因为它可以淡化背景从而把视觉趣味集中在模特身上。这就是人们所称的明度对比。明度的意思就是照片某处区域颜色的深浅度，这个深浅度依照的是从黑到白渐变的色谱。明度对比的意思是照片中亮部和暗部的对比。如果被摄对象位于比他们本身更亮或更暗的背景之前，他们就能从照片上(或者你的显示屏上)凸显出来。 图1 图1 被摄对象背对太阳，脸部在阴影下，被摄对象和背景之间形成了很好的明度对比。 图2与图1的设置相似，不过是在一个雨天拍的。模特面向一个暗处的凹状空间，他背后是雨天的街道。暗部的凹状空间反射很少的光线到模特的脸上，他的脸和背景之间形成了十分强烈的光比。 我最初拍这张照片的时候，希望身边带着一个银色反光板来给他的脸部反射更多的光线。但是后来我注意到位于暗部的脸和明亮的背景之间形成了有趣的对比(明度对比的作用)，创造出一种神秘感，增强了雨天的阴郁气氛。这样的用光与女子站在河畔的那张照片(图1)完全相反，但是因为有了很好的明度对比，还挺合适的。把照片转成黑白照也增强了这种感觉。 虽然他脸上的光线不是非常好，但这还算是一张有意思的照片。我认为这样会迫使观者近距离地去观察并理解被摄对象。逆光既可以隐藏你的被摄对象，也可以展现他们。 图2 图2被摄人物的脸部和他身后的城市街道之间形成差异巨大的光比，创造出很好的明度对比。