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3D MAX建模教程：女性角色模型解析
先来卡看最终效果图：嗨，各位，我是Andrius Balčiūnas，接下来，我将带领你们来了解我制作”Shadow Conscious”这副图的制作过程。这个项目主要是为了学习而制作。我想制作一个真实的(至少是自然的)人物。首先，寻找参考资料。我从网上收集了许多女孩的图片。虽然我不知道最后会成什么样子，不过我认为如果你拥有多个角度的女孩参考资料以及许多符合要求的解剖图片那会很有利于你的创作。我使用了可编辑的多边形建模。简单的从一个长方体开始，添加边缘线，切分等，我认为创建人物中最困难的地方在于它不是一个技术活，而是美与结构之间精准的平衡(如果这个是你的目的)。这里有个眼球建模的小技巧。不要把瞳孔开始的地方做成硬边。因为在后期渲染时将会得到非常糟糕的效果。同样，当你在制作眼球的外部球体来实现反射效果时，不要让它仅仅是一个简单的球体，你需要把它做的有点凸起。这样，就能得到自然的反射效果。
告诉你亚当斯区域曝光秘籍
除了分别曝光，可能确实没有什么能让你在前期做到既让左侧的透过云彩的阳光清晰，又能让右侧的建筑物清晰的方式。 景山万春亭 iso200 白平衡自动 亚当斯认为，黑白负片所能呈现的最大明、暗对比是从第2 – 8区 (数码的宽容度公认的比负片要低些但高于反转片)。而自然中光线强弱的变化，从最亮的阳光下的积雪，到最暗的阴影甚至会超过0 – 10区。有的情况下，画面中的景物又没有这么大的反差。比如只有从第4 – 6区，那就要通过曝光和暗房后期增加反差。总之，最终的效果是要充分利用底片(相纸)的宽容度，使一张照片中，黑的地方黑(第2-3区)白的地方白(第7 – 8区)，这才是好照片!(注意以上叙述并非亚当斯原话，是老败对亚当斯精神实质的理解，信不信由你)。看看他拍出来的照片，漂亮照片都是这样的。 操作上，亚当斯的方法必须使用测光表，并且是点测光表(没有就DIY，象亚当斯那样)，并且首先要了解一点测光表的工作原理。上面说过，这1 – 10区的灰阶是摄影工业标准。测光表工作的逻辑过程是这样的：你给它‘看’一个目标，它检测目标的亮度后告诉你使此目标‘正确’曝光的光圈/快门组合(亚当斯那年头的测光表没这么先进，只能告诉他目标亮度是多少烛光每平方英尺，剩下的自己算。所以确切地知道亚当斯的操作细节没有意义。我们需要理解的是其精神实质对我们现在的帮助)。需注意‘正确’二字加了引号，什么意思呢?正确，就是把你的目标曝光成中灰，18%灰，第5区，随你怎么叫。而且不管你给它看的目标是白的(8、9区)，还是黑的(2、3区)，按测光表曝出来的效果就是第5区。听起来有点荒唐?没事可以慢慢想想，很难有更好的办法。 知道了测光表的逻辑过程。对亚当斯的语言就很好理解了。他常说在拍某某照片时把某某景物(比如一块石头，一片树林，一片云)“放在”第几区。怎么个‘放’法?用点测对目标(一块石头)测光，然后用测光表告诉你的光圈/快门组合曝光，你就是把这块石头‘放’在了第5区。也就是说，在你的照片里这块石头将是中灰。什么?!灰色的石头?!不行!这块石头在俺的画面里很重要，它处在树下阴影部分，色泽幽暗，与旁边天光直射下的花丛成鲜明的对比。它明明都快是黑的了，怎么弄成中灰了!这哪成?!?#￥%…… OK! 你的意思是这块石头不应该被放在第5区，而应该被放在第3区?那好办，按刚测出来的光圈/快门组合减两档曝光就是了。再测测边上的花丛，亮度比石头高出了4档光圈之多，把石头放在3区，花丛就被放在了7区，无论是底片还是数码的宽容度都该足够，挺好，按快门吧，你都应该已经能想象出能够得到一张什么样的照片了。(prevision 是亚当斯在推广他的理论时所宣称的重要优点之一。但这一点在当今数码 OK! 不知不觉，咱们已经按照亚当斯区域曝光理论虚拟操作一次了。体会到它的优点了吗?如果用点测光，测石头并曝光，石头出来是中灰(5区)，花丛就是9区!完蛋，曝过了!超过底片/数码的宽容度，只得到惨白的花丛。用点测，测花丛并曝光，拍出来花丛是中灰(5区)，石头可就成了1区了!完蛋!还是超过底片/数码的宽容度，欠曝，只得到漆黑的，没有质感的石头。那我用视场平均测光(这是亚当斯年代就有的)。那就得看运气了，你的暗石头占多大画面面积?花丛又占多少?其它背景很可能面积更大且可能很黑(地面阴影)，也可能很亮(天空或水面), 它们会主导视场平均测光的结果(因为面积更大)，所得出的曝光结果是你完全无法预料的。那我用*重点平均测光，评价测光，使用曝光锁定按钮……….. 这些都可以，但都不能保证给你一个暗而有细节的石头和明亮而有细节的花丛。只有亚当斯区域曝光法 – Adams’s Zone System 可以帮助你信心满满地做到这一点。 亚当斯的区域曝光法可以保证你得到反差漂亮的照片，可好多人看了都嫌麻烦。当然了，嫌麻烦的可不只一个两个，懒人有一个优点就是聪明，于是就总结出了亚当斯理论的简化版，就4个字：白加黑减。啥意思呢?道理很简单。 首先明确前提条件：点测光。凡是谈亚当斯的道理都是在谈点测光，白加黑减是亚当斯简化版当然也不例外。 千万别把视场平均测光混进来，那肯定绕糊涂! 然后定义‘黑’和‘白’。‘黑’，就是画面中最暗的部分。‘白’就是画面中最亮的部分。 请看这张照片。先用视场平均测光来介绍一下这个画面。这是冬季上午9点不到室内阳光直射下的一个音箱。画面中的‘黑’与‘白’分别用绿圈和红圈标示。看看曝光组合。一切都规规矩矩，有什么错嘛?没有。可画面就是那么平淡。看看那中间调，就一个字：肉!结论: 视场平均测光不是好办法!
定焦镜头的优势与选择的理由
很多摄影爱好者希望“一镜走天下”，对变焦范围小的镜头都不满意，更别说定焦镜头了，其实，真正从摄影的角度分析，定焦镜头有许多优势。 首先补充一点点英文概念：一只定焦镜头(prime lens)特指只有一个固定焦距的镜头，相对应的另一种镜头则是变焦镜头(zoom lens)，后者拥有可调整的多种焦段。虽然变焦镜头比定焦镜头在取景上更为方便，但是很多摄影者最终会选择一只定焦镜头作为自己最主要的拍摄伙伴，下面是最重要的6个让人钟情定焦镜头的理由。 1.实惠的价格 一般来说，定焦镜头要比变焦镜头的价格更低廉，相对变焦镜头，一只Prime Len采用更少的镜片组以及更简单的结构设计，一般来说，最出色的定焦镜头只有变焦镜头的一半价格，尤其是50mm焦段，几乎是各家最便宜的镜头焦段。 2.较小的畸变 畸变是变焦镜头最大的软肋，几乎所有涉及广角的变焦镜头都存在明显的畸变问题，而定焦镜头因为只需对一个焦段的成像进行纠正与优化，所以往往很少会出现畸变现象;另外值得一提的是，旁轴相机在广角畸变上比单反相机有天生优势，例如15mm/f4.5等超广角镜头甚至完全不存在畸变。 3.更锐利的成像 简单的镜片结构自然会带来更锐利的图像，尤其是那些含有ASPH非球面镜片的定焦镜头，在最大光圈下也能提供极为锐利的焦内成像。 4.柔美的焦外(Bokeh) 在相同价格下，定焦镜头可以比变焦镜头提供更大的光圈(事实上变焦镜头的极限光圈便是F2.8)，也就意味着更柔和的焦外虚化(Bokeh)效果，除此之外，定焦镜头的光圈叶片更多，接近圆形的光圈会提供最漂亮的Bokeh。
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商标设计四大禁忌
一、商标不能用地理名称 用地理名称作商标，只能说明商品的产地，起不到使消费者辨认商品生产者的作用，而且容易造成产地的混淆。在国内市场上以地理名称作为商标的为数很多，如黄河牌汽车、北京牌彩电等，但出口的商标最好不要使用地理名称，因为许多国家的商标法都以地理名称缺乏显著特征和地理名称属大家共有，不应为某一生产者独占为由而不予商标注册。有的即便勉强注册也要附带许多限制条件，如青岛牌啤酒、中华牌香烟等在外国注册就遇到类似的情况。 二、商标所用外文要没有姓氏的含义 一些国家的商标法规定，用姓氏名称作为商标必须征得本人同意。如本人死去不久，则要征得其法定代表机构或代理人的同意。我国有些商标所附英文恰巧就是外国人的姓氏名称或有姓氏的含义。如“紫罗兰”商标的英文“Violet”，“前进”商标的英文“Forward”，“钻石”商标的英文“Diamond”，“天鹅”商标的英文“Swan”分别与英国人的威奥莱特、福沃特、戴蒙德和斯伍森的姓氏音相同或相近，这样的商标在国外注册时都遇到了困难，有的根本不能注册。 三、不宜采用数字作为商标 以数字作为商标在许多国家认为其缺乏显著特征，并且数字为全人类所共有而不应归某一生产者所独占，因而不给商标注册。有些国家很忌讳个别数字，如西方国家认为“13”是个不幸、凶险的数字，任何场合都尽量避开它。有一些国家的法律规定数字可作为商标注册，但以该商标已经广泛使用或已出名成为名牌为条件。所以，为出口商品设计商标，最好不要采用数字作为题材。 四、商标的文字、图形、颜色等应避免有不好的含义 有的国家商标法根据本国的风俗作了一些特殊规定，或者在习惯上忌用。出口商品的品牌商标设计，应注意要和各地的社会文化传统相适应，不要违背当地的风俗习惯和各国的宗教信仰，特别是各地的忌讳。 如我国出口的白象牌电池在东南亚各地十分畅销，因为“白象”是东南亚地区的吉祥之物，但在欧美市场上却无人问津，因为“白象”的英文“White Elephant”意思为累赘无用令人生厌的东西，可见谁也不会喜欢；我国的“蓝天”牌牙膏出口到美国，其译名“Blue Sky”则成了企业收不回来的债券，销售无疑成了问题；在中国一般将鹿看作是快乐、活泼、长寿的象征，但在巴西等地却是“同性恋”的俗称；日本人把龟视为长寿的象征，而中国忌讳龟而把仙鹤、松柏喻为长寿；在法国仙鹤则是蠢汉和淫妇的代名词；孔雀在东方人心目中是美丽的，但是在法国是淫妇的别称；郁金香是荷兰的国花，在士耳其是爱情的象征，但在法国人的眼里却是无情无义之物；斯里兰卡、印度视大象为庄严的象征，在欧洲人的词汇里大象则是笨拙的同义词；伊斯兰教国家禁用猪及类似猪的图案设计；狗在北非视作不法；中国人引为自豪的熊猫，在东南亚、欧美等地广受欢迎，视为憨态可掬，但伊斯兰国家却对它有厌恶之感；西方人忌讳用黑猫，认为黑猫是不祥之物；澳大利亚禁用兔，因为兔是当地一害；日本人喜爱樱花而忌讳荷花，也忌讳代表皇室的菊花；阿拉伯人禁用六角星图；意大利忌用兰花图；捷克人将红三角图案作为有毒的标志；法国禁用黑桃，认为黑桃是死人的象征；美国人用红色代表愤怒，深色表示嫉妒，蓝色意味忧虑，黄色象征怯懦；瑞典人禁用蓝色；西方国家以黑色为不吉利，东方国家却以白色为不吉利；英国人忌讳黄色，中国人和泰国人将黄色视为庄重、高贵和权力，而埃塞俄比亚人办丧事时穿黄色衣服；在拉丁美洲国家，人们将紫色与死亡联系在一起；日本人以红色和黑色视为传统性色彩而偏好；绿色给人以凉爽和宁静的感觉，在意大利、新加坡等国普遍受欢迎，但日本人却认为绿色不吉祥；由于各国存在这些特殊的禁忌，就要求我们在为出口商品设计品牌商标时，不能随心所欲，应避其所忌。国际市场上的品牌商标设计要符合市场国当地的法律规范，也要符合国际惯例，以便于向有关部门申请商标注册，取得商标专用权。 品牌商标设计要显示出企业或产品特色，品牌商标设计的独特性可以使企业的品牌在成千上万的品牌竞争中脱颖而出，易于吸引消费者的注意力。 品牌商标设计应向消费者暗示产品的效用或质量，如“Sprite”饮料初次出现在香港市场上时，根据港澳取吉利心理的常规，按其谐声取名为“事必利”，实际销售情况并不好，后改名为“雪碧”，给人以冰凉解渴的印象，产品也随之为消费者接受。美国宝洁公司在中国销售的洗发护发用品中，有一个品牌叫“飘柔”，意为头发飘逸柔顺，既能充分地显示商品的特性和品质，又能给消费者留下美好的心理回味。
营销时代的版面设计
一、报纸版面发展的四个阶段 自从中国近代出现报纸至今，版面设计大致经历了四个发展阶段，分别是书版阶段、表意阶段、美化阶段、营销阶段。 中国最早的报纸版面形态模仿了当时书本的样式，正文直排，一通到底，既不分栏，也没有字体字号的变化。即便是新闻标题，也只是单列一行以示区别，字体字号与正文没有任何差别（见图1）。这一时期的报纸版面可以称之为“书版阶段”，它的特点是秩序排列，但看不出版面重点，还处在模仿书籍版式的阶段，没有形成报纸独特的设计规则。 19世纪末至20世纪初期，报纸版面的设计开始有了变化。当时，最早在报界兴起革新之风的当属《时务日报》（1898*）与《时报》（1904*）。它们较早实行“报纸分为三层，俾阅者少省目力，句读加点，以清眉目。”各类新闻“皆有一定位置，使读者开卷即见”，新闻中“最紧要之事用大字，次者用中字，寻常新闻用小字”（见图2）。⑴《时务日报》和《时报》的革新，虽然最初被许多报纸认为是怪异之举，但随着读者的接受，很快流行起来。经过重新设计的报纸版面，层次更加清晰，阅读更加方便。最为重要的是，改革后的报纸版面，能够体现编辑意图，编辑对新闻价值的判断、对新闻内容的倾向性、对读者阅读的引导，能够通过版面设计体现出来，因此称之为“表意阶段”。 随着报业实践的发展和印刷技术的进步，报纸版面设计日臻成熟，版面元素日益丰富。20世纪五六十年代开始，报纸版面设计进入“美化阶段”（见图3）。这一时期版面设计的最大特点是对美化功能的强调，每版的栏数从8栏发展到12栏，长栏、转栏、破栏运用灵活，字体字号的变化更加繁复，标题与正文的组合方式越来越多，题花、框线、花线、照片等大量运用，版面不再是灰蒙蒙一片，而是变化多端、绚丽多彩了。至此，报纸版面设计逐渐形成自己的规律，从技术发展为艺术。 对报纸版面营销功能的认识从20世纪初开始萌芽，但由于商业化报纸没有得到充分发育，就被社会变革打断，这一理念没能得到普遍认同。20世纪90年代中期开始，我国报业日益繁荣，报业市场初步发育，报业竞争日趋激烈。受众从信息匮乏状态向信息相对丰裕状态转变，买方市场逐渐成型，读者对报纸有了更多的选择权。这样的时代背景下，报纸版面设计进入新的发展时期——重视读者导向、重视市场导向、重视通过版面设计的变化，促进报纸的销售，所以称之为“营销阶段”。在这个阶段，版面设计工作更加专门化、专业化，版面设计有从选稿、改稿等编辑业务链条中分离出来的倾向，许多报纸任命了版式总监等专司其职。 上述四个阶段的划分是粗线条的，后人对前人的版面思想总是有继承、有扬弃，后期的版面思想往往在早期即已萌芽。通过不断地探索和努力，版面功能不断丰富，版面设计不断完善。尤其是现阶段的版面设计，在市场营销理念的指导下更加重形式、重包装、重设计，出现许多新理念、新手法，值得认真梳理和总结。 二、方便读者阅读的设计
广告设计制作专用述语
设计 设计（design）指美术指导和平面设计师如何选择和配置一条广告的美术元素。设计师选择特定的美术元素并以其独特的方式对它们加以组合，以此定下设计的风格——即某个想法或形象的表现方式。 林地的设计通过一种空旷感来突出讯息。首先，摄影的大小抓住了人们的注意力，疏朗的正文使广告轻松宜人，文案中充满了空白，给人一种整洁、易读的感觉。广告虽然使用了多种不同元素，这些空白却使得各元素之间都能保持和谐与平衡。 在美术指导的指导下，几位美工制作出广告概念的初步构图，然后再与文案配合，拿出自己的平面设计专长（包括摄影、排版和绘图），创作出最有效的广告或手册。 布局图 布局图（layout）指一条广告所有组成部分的整体安排：图像、标题、副标题、正文、口号、印签、标志和签名。 布局图有几个作用，首先，布局图有助于广告公司和客户预先制作并测评广告的最终形象和感觉，为客户（他们通常都不是艺术家）提供修正、更改、评判和认可的有形依据。 其次，布局图有助于创意小组设计广告的心理成分——即非文字和符号元素。精明的广告主不仅希望广告给自己带来客流，还希望（如果可能的话）广告为自己的产品树立某种个性——形象，在消费者心目中建立品牌（或企业）资产。要做到这一点，广告的“模样”必须明确表现出某种形象或氛围，反映或加强广告主及其产品的优点。 因此，在设计广告布局初稿时，创意小组必须对产品或企业的预期形象有很强的意识。在林地一例中，创意人员之所以将占据主要位置的空旷的图片与疏落有致的文案相组合，主要原因就是为了形象。广告立即在目标受众的心目中留下了不可磨灭的印象，为品牌平添了几分价值。 第三，挑选出最佳设计之后，布局图便发挥蓝图的作用，显示各广告元素所占的比例和位置。一旦制作部经理了解了某条广告的大小、图片数量、排字量以及颜色和插图等这些美术元素的运用，他们便可以判断出制作该广告的成本。 小样 小样（thumbnail），是美工用来具体表现布局方式的大致效果图，很小（大约为3×4英寸），省略了细节，比较粗糙，是最基本的东西。直线或水波纹表示正文的位置，方框表示图形的位置。然后，中选的小样再进一步发展。 大样 在大样中，美工画出实际大小的广告，提出候选标题和副标题的最终字样，安排插图和照片，用横线表示正文。广告公司可以向客户——尤其是在乎成本的客户——提交大样，征得他们的认可。 末稿 到末稿（comprehensive layout/comp）这一步，制作已经非常精细，几乎和成品一样。末稿一般都很详尽，有彩色照片、确定好的字体风格、大小和配合用的小图像，再加上一张光喷纸封套。现在，末稿的文案排版以及图像元素的搭配都由电脑来执行，打印出来的广告如同四色清样一般。到这一阶段，所有图像元素都应最后落实。 样本 样本体现手册、多页材料或售点陈列被拿在手上的样子和感觉。美工借助彩色记号笔和电脑清样，用手把样本放在硬纸上，然后按尺寸进行剪裁和折叠。例如，手册的样本是逐页装订起来的，看起来同真的成品一模一样。 版面组合 交给印刷厂复制的末稿，必须把字样和图形都放在准确的位置上。现在，大部分设计人员都采用电脑来完成这一部分工作，完全不需要拼版这道工序。但有些广告主仍保留着传统的版面组合方式，在一张空白版（又叫拼版pasteup）上按各自应处的位置标出黑色字体和美术元素，再用一张透明纸覆盖在上面，标出颜色的色调和位置。由于印刷厂在着手复制之前要用一部大型制版照相机对拼版进行照相，设定广告的基本色调，复制件和胶片，因此，印刷厂常把拼版称为照相制版（camera-ready art）。 在设计过程的任何环节——直至油墨落到纸上之前——都有可能对广告的美术元素进行更改。当然，这样一来，费用也可以随环节的进展而成倍地增长，越往后，更改的代价就越高，甚至可能高达十倍。 认可 文案人员和美术指导的作品始终面临着“认可”这个问题。广告公司越大，客户越大，这道手续就越复杂。一个新的广告概念首先要经过广告公司创意总监的认可，然后交由客户部审核，再交由客户方的产品经理和营销人员审核，他们往往会改动一两个字，有时甚至推翻整个表现方式。双方的法律部再对文案和美术元素进行严格审查，以免发生问题，最后，企业的高层主管对选定的概念和正文进行审核。 在“认可”中面对的最大困难是，如何避免让决策人打破广告原有的风格。创意小组花费了大量的心血才找到有亲和力的广告风格，但一群不是文案、不是美工的人却有权全盘改动它。保持艺术上的纯洁相当困难，需要耐心、灵活、成熟以及明确有力地表达重要观点、解释美工选择理由的能力。
书籍的封面设计
书籍作为文字、图形的一种载体，是不能没有装帧的。书籍装帧是一个和谐的统一体，应该说有什么样的书就有什么样的装帧与它相适应。在我国，通常把书籍装帧设计叫做书的整体设计或书的艺术设计。 书籍装帧的封面设计在一本书的整体设计中具有举足轻重的地位。图书与读者见面，第一个回合就依赖于封面。封面是一本书的脸面，是一位不说话的推销员。好的封面设计不仅能招徕读者，使其一见钟情，而且耐人寻味，爱不释手。封面设计的优劣对书籍的形象有着非常重大的意义。封面设计一般包括书名、编著者名、出版社名等文字，以及体现书的内容、性质、体裁的装饰形象、色彩和构图。 一、封面的构思设计： 首先应该确立，表现的形式要为书的内容服务。用最感人、最形象、最易被视觉接受的表现形式，所以封面的构思就显得十分重要，要充分弄通书稿的内涵、风格、体裁等，做到构思新颖、切题，有感染力。构思的过程与方法大致可以有以下几种方法： 1、想象：想象是构思的基点，想象以造型的知觉为中心，能产生明确的有意味的形象。我们所说的灵感，也就是知识与想象的积累与结晶，它是设计构思的源泉。 2、舍弃：构思的过程往往“叠加容易，舍弃难”，构思时往往想得很多，堆砌得很多，对多余的细节爱不忍弃。张光宇先生说“多做减法，少做加法”，就是真切的经验之谈。对不重要的、可有可无的形象与细节，坚决忍痛割爱。 3、象征：象征性的手法是艺术表现最得力的语言，用具象形象来表达抽象的概念或意境，也可用抽象的形象来意喻表达具体的事物，都能为人们所接受。 4、探索创新：流行的形式、常用的手法、俗套的语言要尽可能避开不用；熟悉的构思方法，常见的构图，习惯性的技巧，都是创新构思表现的大敌。构思要新颖，就需不落俗套，标新立异。要有创新的构思就必须有孜孜不倦的探索精神。
平面构成的概念
所谓构成（包括平面构成和立体构成），是一种造型概念，也是现代造型设计用语。其含义就是将几个以上的单元（包括不同的形态、材料）重新组合成为一个新的单元，并赋予视觉化的、力学的概念。其中，立体构成是以厚度塑形象，是将形态要素按照一定的原则组合成形体；平面构成则是以轮廓塑形象，是将不同的基本形按照一定的规则在平面上组合成图案。 平面构成元素，包括概念元素、视觉元素和关系元素，是指创造形象之前，仅在意念中感觉到的点、线、面、体的概念，其作用是促使视觉元素的形成。视觉元素，是把概念元素见之于画面，是通过看得见的形状、大小、色彩、位置、方向、肌理等被称为基本形的具体形象加以体现的。关系元素，是指视觉元素（即基本形）的组合形式，是通过框架、骨格以及空间、重心、虚实、有无等因素决定的；其中最主要的因素是骨格，是可见的，其它如空间、重心等因素，则有赖感觉去体现。 平面构成的框架 一切用于平面构成中的可见的视觉元素，通称形象，基本形即是最基本的形象；限制和管辖基本形在平面构成中的各种不同的编排，即是骨格。基本形有“正”有“负”，构成中亦可互相转化；基本形相遇时，又可以产生分离、接触、复叠、透叠、联合、减缺、差叠、重合等几种关系。骨格可以分为：在视觉上起作用的有作用骨格和在视觉上不起作用的无作用骨格，以及有规律性骨格(即重复、近似、渐变、发射等骨格)和非规律性骨格(即密集、对比等骨格)。基本形与骨格的上述这些特性，将相互影响、相互制约、相互作用而构成千变万化的构成图案（如下图，就是由基本形通过重复、接触、差叠等构成的）。
版面构成
版面编排是设计的重点之一，好的编排往往能达到较好的视觉效果，我们可以利用简单的文字和颜色，制造一些视觉上的特殊感受，这里就有十个简单的例子，介绍版面构成所拥有的几种特性。 ■对比 ■大小 ■镜射 ■距离 ■重覆 ■粗细 ■连续 ■ 韵律 ■ 统一 ■ 移动
日本书籍装帧中“点”的应用
“点”在几何学中只表明位置并不具备面积和方向。而在平面构成中，“点”作为造型要素之一，却具有不可忽视的重要作用。尽管在人类远古时期的手工制品表面装饰纹样中，“点”就已被大量应用。然而时至今日，当代的设计家依然运用着“点”的多种变异和排列组合，再现着“点”的令人惊叹的艺术魅力。 在日本的书籍装帧艺术中，用于封面装饰的构成手段可谓风格各异、流派繁多。但最富于时代精神的表现形式之一莫过于“点”的构成运用。纵观近十年来日本书籍装帧艺术中“点”的表现形式，大体可以归纳出四种类型： 一、强调整齐划一，以形成秩序美 秩序美也是一种韵律美。它蕴含在大小相同、间隔相等、横平竖直的严格模式中。整齐划一极易陷入板滞。然而背水一战，也会产生极具个性的优秀作品。《*宪法》一书的封面装饰效果简洁、醒目。是采用横竖点的等间距排列法。应用到法典类图书封面装饰中，则将人们所期望的秩序并然的心态统一起来。同时，白地印红“点”，也巧妙地揭示了这一构思的来源。当设计者感到这种“点”的等间距排列法用于此书的装饰十分贴切时，就又在前后环衬的设计中再现了这一装饰主题。妙在不是一次简单的重复，而是采用了封面装饰的翻阴版。这种一正一负的反复变化，产生了节奏和韵律，给读者带来鲜明的印象。 诸如此类，还可举出许多。比如1986年，日本广播出版协会出版的《图书目录》，封面装饰图案的骨架依然强调着一种秩序美。但较之上例更为宽松，采用“点”的等间距连接纵向平行移动方式。加上充分发挥现代喷绘技术塑造物体逼真、细腻的特点，使得各个圆点犹如泛出银光的粒粒珍珠，设计者的立意大约要突出该协会出版物所具有的价值吧。为了活跃构图，增加表现力，设计者把靠近书名位置的三粒“珍珠”偷换成三颗蓝色调绞花“玻璃球”，因而又形成了同样大小的“点”的不同质的对比。 二、运用自然散点的构图，造成多变的视觉效应。 如果说整齐划一如同节奏感很强的打击乐，那么散点构成就是旋律优美的丝竹乐。散点构成活泼多变，散而不乱，变化有序。设计者需惨淡经营，而又不露声色。 日本已故装帧大师原弘为《樱大鉴》一书所做封面设计，运用的是一种近乎日本传统印花纸的设计风格。呈“点”状的五瓣樱花图案大小相间，层次分明，参差地布满版面。底色为深红，花朵为淡红，犹如上野公园盛开的樱花，十分自然，毫无做作，表现出一种高妙的艺术境界。相比之下，《年鉴广告艺术》一书的封面设计所采用的散点构成就显得更含蓄、更理性化。设计者以实物摄影的手法，拍摄对象为国外扑克牌游戏中使用的备色圆形塑料筹码。封面、封底的照片各不相同。封面所用照片中这些筹码似乎被漫不经心地散乱在桌面上。但作为同行，我们从筹码位置的疏密聚散，色彩的协调搭配感到均经过设计者精密地计算。在封底的照片中，这些筹码是一个个提起来，、形成一根直立的五彩圆柱。通过筹码——圆点由散到聚，由点到线，在读者的观感中再现了时间的延续，合理地表达了年鉴的内涵。
书籍版式设计的基本常识
一.版式设计的目的：方便读者，给读者美的享受 二.版式设计的定义：版面的编排设计。在一定的开本上，把书籍原稿的体裁、结构、层次、插图等方面作艺术而又合理的处理。 三.现在常用的一些版式规格： a）诗集：通常用比较狭长的小开本 b）理论书籍：大32开比较常用 c）儿童读物：接近方形的开度 d）小字典：42开以下的尺寸，106/173mm e）科技技术书：需要较大较宽的开本 f）画册：接近于正方形的比较多 玖.书籍装帧和书籍生产评审标准
中国报纸引进西方报纸版面设计理念 增强三种意识
进入20世纪80年代之后，中国媒体进入一个全新的发展阶段。我国报纸逐渐引进西方报纸尤其是美国报纸的版面设计理念，越来越倾向于与国际流行接轨。总的来说，这20年来我国报纸版面编排设计在美国报纸版式的影响下发生了如下观念性的变化： 1．品牌意识增强 报业市场变得丰富起来，原先千报一面的版面模式改变了，各报纷纷通过版面来彰显品牌，突出个性、品位和理念。 上个世纪80年代末90年代初，《北京青年报》抢先采用浓眉大眼的特色版式使自己在报丛中脱颖而出，鲜明地扯起了品牌大旗。 今天的一些报纸在塑造品牌时就显得更为成熟了。如何将报纸的办报理念融合到版式中，并通过版式将这些内涵传达给读者是这些报纸考虑的问题。这种考虑使他们在报纸品牌、版面风格的塑造上更理性。如广州市委机关报《广州日报》强调自己是一份上能直陈国政，下能关注民生，严肃性与平民性交相辉映的主流报纸，并致力于办一份“质量新报”。生活服务类报纸《精品购物指南》则根据自己服务性报纸的特质以及以白领女性为目标读者的定位，借鉴美国小报的版面编排手法，走上了软性杂志化道路。 为了塑造独特的风格，一些新锐报纸甚至还在印刷介质上动脑筋，如《经济观察报》模仿英国《金融时报》，采用橙色新闻纸。 2．读者意识增强 重视读者的感受已成为我国报纸的普遍做法。 报纸读者意识的增强在版面上最鲜明的体现是重视报纸的易读性。 （1）对内容进行合理整合
西方报纸版面变革及其动因探析
自16世纪威尼斯小报（Venice Gazzetta）诞生后至今，西方的近现代报纸已有了四五百年的历史。 最初，报纸的样式与当时的图书非常接近。18世纪逐渐抛弃了标准的图书格式，纷纷采用大型号纸张以扩大版面，但这一时期的报纸除了在纸张的尺寸规格上有所改变外，在印刷和视觉因素（如插图）上几乎没有什么变化，这种状况一直维持到19世纪中期。1845年，理查德•霍改良印刷机后，垂直式版面取得了主导地位。这种版面通常以竖栏为基本单位，每栏从版面顶部贯穿至底，字体小，图片小且少，标题几乎都不跨栏，其重要程度只好通过其厚度来显示。19世纪末，竞争激烈的《世界报》（约瑟夫•普利策办）和《纽约新闻报》（赫斯特办）为赢得读者，在版面上突破常规，完全打破栏的限制，横排走文，“水平式版面的革命到来了”。水平版式仍有基本栏的划分，但其行文不再是由上一通到下，而是通过转栏向水平方向拓展，字体的选择范围扩大，横跨几栏的大幅地图也有机会出现在版面上，标题的跨栏也不是罕见现象，其重要程度开始以其长度来体现，图片崭露头角，色彩也已经在报纸上出现。进入20世纪，特别是到了60年代，版面设计受到空前的重视。帕拉佐为《纽约先驱论坛报》施行的改版，将杂志的模式引入了报纸版面：大量留白，大幅照片，内容分区化。70年代《明尼阿波利斯论坛报》改版，全面采用模块式版面，使之成为美国报纸的主流版式。80年代，甘尼特报业集团创办的美国第一份成功的全国性报纸《今日美国》出现，它以色彩和图片为基础，以大量富含信息的图表来解释新闻，成为西方报纸版面发展史上的一个里程碑，从此揭开“重新设计运动”的序幕。 经过这么多年的演变、丰富，我们可以看到西方报纸在形式上确实是发生了巨大的变化，图画、图表、线条、色彩、空白等版面元素得到了充分的运用，形成了多种多样的风格。科学技术的发展、不同类型媒介间的竞争、编辑观念的转变及设计理论的研究推广等在报纸版面的变迁过程中发挥着不可忽视的作用。正如罗杰•菲德勒（Roger Fidler）所说的，“传播媒介的形态变化，通常是由于可感知的需要、竞争和政治压力，以及社会和技术革新的复杂相互作用引起的。” 技术发展：版面变革的物质基础 麦克卢汉（Marshall Mcluhan）曾提出“媒介即讯息”的观点，他认为“人类有了某种媒介才有可能从事与之相适应的传播和其他社会活动，因此，从漫长的人类社会发展过程来看，真正有意义、有价值的‘讯息’不是各个时代的传播内容，而是这个时代所使用的传播工具的性质、它所开创的可能性以及带来的社会变革”⑶。虽然，麦克卢汉过分夸大了技术的作用，但印刷出版技术在促进版面式样的演变方面，其作用显而易见。它的不成熟限制了版面在设计上的选择机会，而它的每一步发展又成为了版面设计大发展的契机。 1845年理查德•霍（Richard