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Photoshop给外景的少女加上另类中性褐色调
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色阶10、自动色阶/自动对比度/自动颜色
2009-4-22 17:22 2009-4-22 17:22 2009-4-22 17:22 2009-4-22 17:22 2009-4-22 17:22
Photoshop修复严重偏暗的婚纱照片重现亮丽色彩
本教程介绍比较实用的偏暗婚纱照片修复方法。大致过程：先调出高光部分的选区，然后反选，然后用曲线调亮。调亮以后色调可能不太理想，后期再整体润色处理即可。原图 <点小图查看大图>最终效果1、打开原图素材，把背景图层复制一层，创建阴影高光调整图层，稍微调整图片明暗。 2、按Ctrl + Alt + ~ 调出高光部分的选区，按Ctrl + Shift + I 反选，创建曲线调整图层，参数设置如下图。3、合并所有图层，用图章工具磨皮，方法也可以自选。 4、按Ctrl + Alt + ~ 调出高光选区，按Ctrl + Shift + I 反选，然后创建可选颜色调整图层，参数设置如下图。
photoshop色彩模式完全手册
在photoshop中，了解模式的概念是很重要的，因为色彩模式决定显示和打印电子图像的色彩模型（简单说色彩模型是用于表现颜色的一种数学算法），即一副电子图像用什么样的方式在计算机中显示或打印输出。常见的色彩模式包括位图模式、灰度模式、双色调模式、hsb（表示色相、饱和度、亮度）模式、rgb（表示红、绿、蓝）模式、cmyk（表示青、洋红、黄、黑）模式、lab模式、索引色模式、多通道模式以及8位/16位模式，每种模式的图像描述和重现色彩的原理及所能显示的颜色数量是不同的。 色彩模式除确定图像中能显示的颜色数之外，还影响图像的通道数和文件大小。这里提到的通道也是photoshop中的一个重要概念，每个photoshop图像具有一个或多个通道，每个通道都存放着图像中颜色元素的信息。图像中默认的颜色通道数取决于其色彩模式。例如，cmyk图像至少有四个通道，分辨代表青、洋红、黄和黑色信息。除了这些默认颜色通道，也可以将叫做alpha通道的额外通道添加到图像中，以便将选区作为蒙板存放和编辑，并且可添加专色通道。一个图像有时多达24个通道，默认情况下，位图模式、灰度双色调和索引色图像中仍一个通道；rgb和lab图像有三个通道；cmyk图像有四个通道。 一、hsb模式 hsb模式是基于人眼对色彩的观察来定义的，在此模式中，所有的颜色都用色相或色调、饱和度、亮度三个特性来描述。 1. 色相（h） 色相是与颜色主波长有关的颜色物理和心理特性，从实验中知道，不同波长的可见光具有不同的颜色。众多波长的光以不同比例混合可以形成各种各样的颜色，但只要波长组成情况一定，那么颜色就确定了。非彩色（黑、百、灰色）不存在色相属性；所有色彩（红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等）都是表示颜色外貌的属性。它们就是所有的色相，有时色相也称为色调。 2. 饱和度（s） 饱和度指颜色的强度或纯度，表示色相中灰色成分所占的比例，用0%-100%（纯色）来表示。 3. 亮度（b） 亮度是颜色的相对明暗程度，通常用0%（黑）-100%（白）来度量。 二、RGB模式 rgb模式是基于自然界中3种基色光的混合原理，将红（r）、绿（g）和蓝（b）3中基色按照从0（黑）到255（白色）的亮度值在每个色阶中分配，从而指定其色彩。当不同亮度的基色混合后，便会产生出256*256*256种颜色，约为1670万种。例如，一种明亮的红色可能r值为246，g值为20，b值为50。当3种基色的亮度值相等时，产生灰色；当3种亮度值都是255时，产生纯白色；而当所有亮度值都是0时，产生纯黑色。当3种色光混合生成的颜色一般比原来的颜色亮度值高，所以rgb模式产生颜色的方法又被称为色光加色法。 三、cmyk模式 cmyk颜色模式是一种印刷模式。其中四个字母分别指青（cyan）、洋红（magenta）、黄（yellow）、黑（black），在印刷中代表四种颜色的油墨。cmyk模式在本质上与rgb模式没有什么区别，只是产生色彩的原理不同，在rgb模式中由光源发出的色光混合生成颜色，而在cmyk模式中由光线照到有不同比例c、m、y、k油墨的纸上，部分光谱被吸收后，反射到人眼的光产生颜色。由于c、m、y、k在混合成色时，随着c、m、y、k四种成分的增多，反射到人眼的光会越来越少，光线的亮度会越来越低，所有cmyk模式产生颜色的方法又被称为色光减色法。 四、lab模式 lab模式的原型是由cie协会在1931年制定的一个衡量颜色的标准，在1976年被重新定义并命名为cielab。此模式解决了由于不同的显示器和打印设备所造成的颜色扶植的差异，也就是它不依赖于设备。 lab颜色是以一个亮度分量l及两个颜色分量a和b来表示颜色的。其中l的取值范围是0-100，a分量代表由绿色到红色的光谱变化，而b分量代表由蓝色到黄色的光谱变化，a和b的取值范围均为-120-120。 lab模式所包含的颜色范围最广，能够包含所有的rgb和cmyk模式中的颜色。cmyk模式所包含的颜色最少，有些在屏幕上砍刀的颜色在印刷品上却无法实现。 五、其他颜色模式 除基本的rgb模式，cmyk模式和lab模式之外，photoshop支持（或处理）其他的颜色模式，这些模式包括位图模式、灰度模式、双色调模式、索引颜色模式和多通道模式。并且这些颜色模式有其特殊的用途。例如，灰度模式的图像只有灰度值而没有颜色信息；索引颜色模式尽管可以使用颜色，但相对于rgb模式和cmyk模式来说，可以使用的颜色真是少之又少。下面就来介绍这几种颜色模式。 1. 位图（bitmap）模式 位图模式用两种颜色（黑和白）来表示图像中的像素。位图模式的图像也叫作黑白图像。因为其深度为1，也称为一位图像。由于位图模式只用黑白色来表示图像的像素，在将图像转换为位图模式时会丢失大量细节，因此photoshop提供了几种算法来模拟图像中丢失的细节。 在宽度、高度和分辨率相同的情况下，位图模式的图像尺寸最小，约为灰度模式的1/7和rgb模式的1/22以下。 2. 灰度（grayscale）模式 灰度模式可以使用多达256级灰度来表现图像，使图像的过渡更平滑细腻。灰度图像的每个像素有一个0（黑色）到255（白色）之间的亮度值。灰度值也可以用黑色油墨覆盖的百分比来表示（0%等于白色，100%等于黑色）。使用黑折或灰度扫描仪产生的图像常以灰度显示。
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摄影构图法则中的奎克摄影构图法
几乎所有的人都能够通过应用一些基本法则，达到具有相当水平的摄影构图能力。为此，他提出了一些简单的方法。他认为，依据这些方法，任何人都能在短时间内学会拍出较好的照片。维利。奎克指出，摄影者最易犯的错误是拍摄的视点取得过高，与被摄体离得太远，致使画面出现各种各样与拍摄目的毫无关系的东西。他说：“请记住，画家是把东西画进画面，而摄影者则是从画面去掉一些东西。”他说：“一张照片应该只有一个趣味中心，画面上不能有无用的东西。如果你对某个物体是否有助于画面抱有怀疑，你就应尽可能地把它放弃掉。” 摄影构图法则中，人们最熟悉的可能就是所谓的“三分法”了，即将画面纵横均分为三份，从而使画面被分割成为九个相等的方块，四条分割线上出现四个交叉点。通常摄影者就在这四点上选择一处作为趣味中心的最佳位置。画面右端那些交叉点，一般又被认为是最强烈的。 但奎克认为：“这并不是说，趣味中心非得准确地置于交叉点上不可。正因为如此，实际上趣味中心常出现在交叉点附近。”奎克指出：“每一幅照片都应保持一定的平衡。这就是说，对主要被摄体的安排，不能使画、面出现向分量大的一边倾倒。但平衡并不意味着将两个同样大小和同等形状的东西置于对称的位置。这里的关系，只要你看一下在玩跷跷板的孩子就知道了。跷跷板两边的孩子，小些的一个必定坐在离中央远些的地方，而大的孩子肯定坐在靠近中央的地方。” 奎克认为：“把突出的线条安排，指向趣味中心，是拍摄一幅悦目照片的另一个要素。这些线条被称为主导线，有效地利用主导线，可以创造出惊人的照片。把主导线安排成对角线，会产生有力的动感。”线条常常在照片中提供一个边框。这可以通过选择视点来进行，例如在树下通过树枝框住画面上的被摄主体。此时通常使用小光圈，以使整幅照片清晰。这样做，也有可能使边框过于突出，但安排适当，会得到好照片。 “在一幅照片中，地平线的位置会给人以强烈的印象。拍摄时，地平线要尽量避免处在照片的等比线上，因为这样做会把照片均分为两半，给人以呆板的感觉。地平线处在画面下方，会给人以宁静的感觉，而处于上方，给人的感觉则是活泼、有力的。”此外，横幅画面可以产生安宁、平静的感觉，而竖直画面则会产生动态效果。“奎克认为，以上方法如果运用得好，你的照片将会出现明显的改观，而且随着时间的推移，你很快就会学会鉴赏构图，从而为你增添摄影的乐趣。 （编译/三联网)
探寻镜头焦距究竟如何影响画面
你是否也曾思考过镜头焦距到底会对画面有怎样的影响?即使拍摄同样的场景，选择不同的镜头也会拍出完全不同的画面。不同的焦距在很大程度上会改变被摄体与背景之间的空间透视关系。 压缩主体与背景之间的距离，是长焦镜头最显著的效果之一。长焦镜头会“压平”画面，而广角镜头则有“拉伸”效果。想知道为什么85mm是最流行的人像镜头?因为在这个焦距下拍出的人像，可以保证鼻子不会“变大”。 使用长焦镜头还会影响到景深。大部分人可能都知道景深与光圈有很大关系，不过镜头焦距也是会影响景深的。长焦镜头的景深更浅，更容易将主体从背景中分离出来。 不过，永远也没有最佳镜头或焦距。选择不同的镜头焦距，会改变主体与背景之间的关系，这取决于你自己的想法。 为了说明这一点，拍摄了几张照片做演示。请注意画面中的模特与背景大桥之间的关系。 在拍摄中，使用了跨度范围很大的几个焦距，目的是为了能更清楚地说明这个问题。我用的第1支镜头是图丽12-24mm f/4，第2支是尼康35mm f/1.8，最后是尼康80-200mm，分别用了100mm和200mm焦距。所有镜头都使用f/2.8光圈(除了图丽镜头用f/4)。 一张照片使用最广的焦距――12mm――拍摄。注意画面中有的透视关系都被大大扩展了。画面中的大桥仿佛被推到了天边，只是勉强能看到。广角镜头产生了很大的景深，几乎所有物体都在景深范围内。用广角镜头，拍到了整个场景。 这张照片使用尼康35mm f/1.8拍摄。现在大桥已经出现在我们的视野中了，同时景深也比12mm时更浅。这仍然是一个有些广的焦距，不过已经开始有分离主体的效果了。 现在，我们就进入最佳的人像焦距范围了。这张照片使用尼康80-200mm f/2.8镜头的100mm段拍摄。注意这张照片中的模特产生了明显的“压平”效果。现在大桥已经与模特很接近了，同时更浅的景深也产生了更强烈的“分离”效果。这是我最常用的拍摄半身像和头肩像的焦距。 最后，是200mm焦距。这是最大的压缩效果，模特与大桥看起来非常接
张力与主体！摄影大师迈克尔谈构图原理
要创作出成功的数码摄影作品，设计是最重要的因素。从眼前的景象中捕捉到潜在的不同凡响的画面，然后将各种视觉元素组织成引人入胜的构图，一直是摄影的关键技能。国际著名的摄影大师迈克尔・弗里曼与大家分享摄影构图的知识。 动态张力 我们已经看到了，某些基本图像元素怎样比其他元素更有力，比如斜线。某些设计结构也具有更多动态：节奏产生动势和活力，物体偏心布局产生张力，因为眼睛会尝试自行建立平衡。然而，除了考虑影像平衡与否，我们还可以从动态张力的角度考察它。这基本上是使用了各种结构内在的能力，以保持眼睛的警觉并使之从画面中心向外围移动。这与正规构图的静态特性正相反。 将动态张力引入照片来吸引注意力看起来很容易也立竿见影，因此有必要谨慎些。就像在单张照片中使用浓烈、醒目的色彩效果很明显，但是反复使用就可能变得矫揉造作，同样地，这种激活照片的方法也可能很快变得乏味。同其他第一印象强烈而显而易见的设计技巧一样，它缺乏持久力，其效果通常很快就消耗殆尽，于是眼睛转移到下一张照片了。 然而，取得动态张力的技巧相当直接，就像这里的例子所示。虽然不能简化成一个公式，理想的组合是一组向不同方向斜线、相反的线条、任何引导眼睛走出画面的结构手段，最好是相反方向的。但要避免使用比如封闭的圆形结构，可以使用比如具有强烈影响的旁观者、视线等。 画面里视线和正面物体表现出来的方向造成了视线的分离。人脸向左，他的站姿也暗示了这个方向。装满融化金属的料斗面朝外偏右。视觉上这两者相互拉扯。 分开的线条和趋向是动态张力的关键。这里，大树的分叉及其强壮弯曲的阴影有很强烈的外趋向，被 20mm(等效焦距)广角镜头夸张地表现出来。建筑的变形和位置使它看起来在向左移出画框。
拍摄完美的全景照片
现在制作全景接片已经非常简单，你只需要拍摄一系列的照片，然后把它们放在Photoshop中，软件就可以帮你把照片制作出来。只是在拍摄的时候，你依然需要注意很多问题，才能保证后期拼接顺利。最基本的技巧就是保证相机水平和无差别曝光。 在拍摄全景照片时，相机必须水平转动，才能保证照片接缝处正确连接。所有照片的曝光一定要相同，否则在接片时就会出现一块亮一块暗的情况。使用三脚架也有很多讲究，不仅要保证相机水平，还要保证整个云台的水平，在转动相机时，还要让每张照片有一定的重叠，一般在1/3以上即可。 拍摄全景照片的确非常繁琐，但是当你掌握了这些基本技巧，后期合成就变得十分容易，你也会得到常规尺寸照片无法给你的震撼感受。 调整三脚架 在放置相机之前，先要架好三脚架。将三脚架调整到合适的高度，并保证它的稳定。然后调节脚管的长度，保证中柱垂直，云台水平。三脚架上所有的水平仪都保证水平后，再安装相机。 校准相机水平 光是校准三脚架是不够的，为了保证万无一失，还要微调相机的水平。我们使用的是双向水平仪。如果你发现相机不水平，可能需要重新调节三脚架的位置，拍摄全景的前期越麻烦，后期就越方便。设置相机参数 使用小光圈，如f/16以保证景深，对着全景照片中最亮的区域测光，然后使用手动曝光模式，设置刚才得到的曝光参数。这时候最好使用RAW格式和尽可能低的感光度，并在拍摄时开启曝光锁定功能。 拍摄全景照片 在拍摄全景时，让两张照片之间保证有1/3到1/2的部分重叠，查看拍摄的照片，检查地平线是否水平，还有照片之间色调和曝光是否存在差异。开启显示直方图功能，查看最细微的曝光问题。
什么是散景摄影 朦胧之美
“散景”就是我们常说的“焦外成像”，是一个最近让很多喜爱摄影的朋友相当感兴趣的话题，例如在著名的徕卡镜头群中有许多支有著相关令人赏心悦目的“散景”，这其中有75mm/1.4 Summilux M，80mm/1.4 Summilux R，50mm/1.0 Noctilux M，与35mm/2 Summicron Pre ASPH。尤其是这最后一支更有人称之为King of the Bokeh，散景之王。 Leica M6 TTL, 75mm/1.4 Summilux M, Fuji Sensia at E.I. 100 如图一，在兰花背后的光斑形状就会与光圈开孔的形状有密切的关系。这种散景是在用大光圈长焦距镜头拍摄物体时，从物体背后的点状光源呈现出来的散景形状，一般人都是喜欢越圆的越好，而要越圆的形状，光圈的叶片数目一般来说是要越多越好，至于为何要叶片数越多越好是由于越多的光圈叶片会有比较像圆形的光圈孔。 当然这篇文章的目的并非要吹捧徕卡镜头的散景有多么的好，事实上，很多的镜头制造商也开始将此一镜头的特性加入设计时的考量，同理，不止是徕卡的镜头，有相当多的日本名制造厂所出的镜头一样有出色的散景，甚至他们也将散景列为设计镜头的考量之一，举个例子来说，相当受欢迎的 Contax 645中型相机在美国的英文版的介绍说明书中，就将Bokeh列为他们的镜头其中之一的优点。 由此可见，这个观念已经逐渐的形成。而本文是是想试著将这一个让人感到困惑的字眼借由文字与图片介绍一下，让有兴趣的朋友多了解。 Leica M6 TTL, 35mm/2.0 Summicron C M Pre-ASPH Fuji Sensia at E.I. 100 光圈f/2.0，快门1/250 Bokeh这个英文单字初看就觉得它不是源自英国或是美国，没错，它不是正式的英文单字，它是自我们的邻国日本而来的，要念BOKEH，依英文的念法是 BOKE，然而这是转化的英文，所以它的正确念法应该是Bo-Ke，在英文的文字中要找一个接近这个Bokeh意思的字并不容易，真要找一个英文单字的话，Convolution可能是最贴切的了。 Convolution是意指影像渐变模糊的一个过程，而真正的散景 (Bokeh) 也是于景深外的影像渐渐变为模糊松散的。景深是一个被很多摄影朋友忽略的重要概念，这或多或少与使用自动对焦相机与镜头所形成的拍摄习惯有些关系，由于自动对焦的精准，现代人的拍摄有时候就不再需要利用景深去弥补对焦时的失误，我们常见的自动对焦镜头的景深表尺时常是语焉不详的，更不用提变焦镜头，变焦镜头上的景深表尺可以说是聊备一格罢了。 所谓的Bokeh，它有松
让照片更漂亮的三分构图法
如果你还不知道三分法则，那么一定会惊讶于应用这个法则的照片看起来会比不遵守法则的照片好出多少。三分法则是一个简单的构图法，将画面沿横向和纵向三等分，然后将被摄体安排在这些交叉点上。某些数码单反相机甚至可以在取景器中显示三分网格线，方便摄影师构图。 三分法，有时也称作井字构图法，是一种在摄影、绘画、设计等艺术中经常使用的构图手段。在这种方法中，摄影师需要将场景用两条竖线和两条横线分割，就如同是书写中文的“井”字。这样就可以得到4个交叉点，然后再将需要表现的重点放置在4个交叉点中的一个即可。 这里收集了一些应用三分法则拍摄的照片，它们就是学习这个构图规则最佳的示范。大家可以一边欣赏一边揣摩。
【人像摄影技巧】人像摄影中最常用的摆姿要领
站姿的变换要领是什么 站姿是人像写真中是应用最多的姿势。站姿的把握和其变化的重点在于模特对身体重心的控制。从实用角度来说，使用站姿的拍摄应该从调整模特的脚步开始。 拍摄站姿有一条基本原则就是，模特的双脚不要并拢，其中一只脚必须在前。这就使两个肩膀朝着相机方向稍微转动了一个角度。身体的重心应该放在后面那条腿上，这样位于前腿的膝盖会稍有弯曲，后侧的肩膀就会略低于前面的肩膀。此时，画面中的人物将会由死板变为活泼。 在拍摄站姿时模特抬头挺胸，可使其看起来会非常有精神，在画面中自然会容光焕发。此时，还要注意模特的两脚最好不要使用立正姿势，否则人物看起来会像是在“被罚站”。两脚稍微分开或前后拉开一小步的距离，可以让姿势看起来更自然。 拍摄提示： 我们可以以腰部为中心，试着多摆出几个姿势，但一定要以后面的那条腿作为身体的重心的支撑，身体重心稳了才能让姿势更自然。 拍摄提示： 使用站姿不仅可以拍摄全身照，站姿还是拍摄半身照不管是双人还是多少人时的理想姿势。这种构图方式可以让我们在拍摄多人合影时腿部的姿势更加自然也更加容易安排。 坐姿的变换要领是什么 坐姿一般可以分为两种，一种是全坐姿;一种是半坐姿。根据拍摄角度的不同还可以分为正面坐姿和侧面坐姿两种。我们可以根据要采用的构图方法进行适当的调整以得到理想的效果。
如何进行精准测光
选择正确的测光区域非常重要，尤其是画面中光比较大的情况，我们该如何得到最精准的测光呢? 佳能相机上标有“*”的按钮可以锁定曝光参数。 在尼康相机上，曝光锁定按钮的标识是“AE-L”。 测光不就是相机对你取景器中这个区域进行曝光值的测量，这个过程很困难吗? 相机的自动测光系统在光线均匀的场景下都能正常工作，但是如果画面主要以黑、白为主，或者光比过大，就会出现测光不准的情况。 也就是说拍摄黑色、白色为主的照片时，相机的测光就会出错? 是这样的，比如一只纯白色的宠物猫的特写，你在给它拍摄特写的时候就会出现曝光不足的现象。相机的自动测光系统会将场景的亮度默认为一个中庸的值，然后利用这个值去衡量场景的光强。 这时候它给出的光圈和快门速度在光线平均，色彩多样的场景中没有问题，但是遇到深色和浅色的场景，就无能为力了。 难道相机自己的测光系统不能解决这个问题吗? 很不幸，还不能。大多数相机都提供三种测光模式：矩阵测光(平均测光)、中央重点测光以及点测光。矩阵测光是检测场景中每个区域的光线，综合计算，给出一个最中庸的曝光值。
什么是影像空间透视感？
“透视感”这个词是不是只有画家才用得上? 不是这样的。透视不仅存在于画中，更存在于现实世界里。比如一条两边平行的马路，你会觉得道路的两边在远处越来越近，最后两条线在远方交汇于一点。这就是透视关系的一个体现。在镜头内，这种远处线条集中于一点的现象也会有所表现，不同的透视感也会带来不同的效果。 透视感在摄影中有什么用? 透视是一种非常重要的摄影语言，控制透视和畸变在拍摄中很常见。通过不同的透视感，我们可以表达不同的情绪和气氛，比如强烈的透视可以拍出夸张的空间感，而削弱透视，就可以让画面更加紧凑。 我们为什么要表现照片的透视效果呢? 摄影是一种静态的平面艺术，照片是一个二维的平面，而非三维立体的空间。我们要用近大远小的关系以及透视感来呈现这个空间的构造。比如在风光片中，近景的人可能看上去比远处的山还大，但实际上只是因为山离镜头很远。再举个例子，当你拍摄一个橘子，你希望呈现在照片上的是一个球体，而非一个扁扁的圆形。这都是透视感在摄影中的应用，我们可以通过增大和削弱透视感来达到自己想要的效果。 看来透视和我想象的不一样，透视到底什么意思呢? 透视是指物体的空间关系。我们在拍摄的时候，用远近不同的物体呈现出来的近大远小的夸张长度来形容透视的强弱。拍摄的角度不同，透视感也会有所不一样，这种透视的变化不是线性的。 让平行线变得扭曲，夸大现行透视感，能让被摄物体显得很高大。 从远处使用长焦镜头拍摄建筑，可以制造近乎二维平面的感觉，而在近处仰拍，就可以制造三点透视的效果。
摄影者一些常犯的错误以及避免这些错误的方法
不要惊讶，再厉害的摄影师有时也会犯一些常见的错误，但失误并非好借口，理性的摄影师会努力避免失误的发生。在这篇文章中，著名摄影记者乔・麦克纳利总结了几大常见摄影失误以及避免它们发生的方法，这些失误从摄影初学者到爱好者再到专业摄影师都极具参考价值。 乔・麦克纳利和他的老师 乔・麦克纳利，国际著名摄影师，从事摄影生涯长达30年，在50多个国家和地区进行过拍摄工作，曾经为《时代》、《新闻周刊》、《财富》等杂志拍摄过照片，是《体育画报》和《生活》杂志的签约摄影师，被《美国照片》杂志称为“最万能的摄影记者”。 不要只拍一张照片 如果镜头前的场景或事物让你兴奋地举起相机，那么绝对不要只拍摄一张照片，20张甚至200张都是可以的，毕竟“决定性瞬间”一去不复返。如果你在用数码相机的话，请记住：像素是免费的。 拍摄人时 与人互动 不要躲在镜头的背后，我知道那个温暖而黑暗的小黑框让你觉得安全而舒适，但你的拍摄对象并不这么想，走到镜头前和拍摄对象互动，参与他们的对话和活动。让拍摄对象感觉到被尊重，让他们知道你们是在为了拍摄成功的照片而一起努力，务必将“他们对你而言很重要”的信息传递给被摄者。请记住，如果你在拍摄时不自信或者表现不舒服都会影响到被摄者的情绪。