推荐阅读
Dave Rapoza的动画角色绘画作品欣赏
Dave Rapoza是美国波士顿的一名自由职业画家。他的作品包含了很多上世纪80至90年代的动画人物形象，例如忍者神龟、希曼等等，这些我们童年时代非常喜爱的虚拟动画人物在Dave Rapoza的创作中以写实的形象再次出现，带给我们非常大的视觉冲击力。当然作为网页设计师来说，我们不能只看热闹，不看门道。带着素描中”三大面、五大调子”的视角去审视这些作品的话，我相信我们在Dave Rapoza对于光影的细节表现上一定能给自己带来很多的灵感。我们先来看看当年的动画片海报，将我们的记忆拉回到90年代那幸福的童年时光。以下是Dave Rapoza的创作作品：一、多纳泰罗二、拉斐尔三、米开朗琪罗
PS给婚纱MM换脸
小提示：在找图片的时候，最好找一个与原照片人物脸的角度相同的或者差不多的，这样做出来的效果会更加逼真，不会有僵硬的感觉。3、然后从“工具栏”中选择“钢笔”工具，我们的主要目的是把图4人物的头部抠下来。所以，用钢笔勾勒出大致轮廓，这里要注意脸部轮廓一定要精确，其他地方可以大致勾勒。如图5所示：图54、然后，切换到“路径”面板，按住“Ctrl”键，点击我们刚才创建的路径，使其处于选中状态，如图6所示：图65、将所选头部的区域，拖到图3中，将“人物B”头部的角度调成与“人物A”头部的角度相近的角度（包括方向和头部的大小）。接着，右击拖过来的人物头部，使其处于当前操作状态，“Ctrl+T” 快捷键，自由旋转，如图7： 图76、 接着，我们要把“人物B”头部多余的部分抠掉。因为是单色背景，所以，使用“魔棒”工具就可以。从“工具栏”中选择“魔棒”工具，点击除了头发外的其他咖啡色的区域，这样就选中了我们所要抠掉的部分，如图8：图8 6、 接着，按“Delete”删除键，删除咖啡色的区域。得到图9：图97、为了保持和原照片风格一样，我们还要保留原照片的皇冠，所以，把“人物B”一部分的头发连同丝带用“套索”工具选中，一起删除。得到如图10：图10
Flash 8 工作环境简介
Flash以便捷、完美、舒适的动画编辑环境，深受广大动画制作爱好者的喜爱，在制作动画之前，先对工作环境进行介绍，包括一些基本的操作方法和工作环境的组织和安排。 运行Flash 8，首先映入眼帘的是“开始页”，“开始页”将常用的任务都集中放在一个页面中，包括“打开最近项目”、“创建新项目”、“从模板创建”、“扩展”以及对官方资源的快速访问。如图1-10所示。图 1-10 开始页 如果要隐藏“开始页”，可以单击选择“不再显示此对话框”，然后在弹出的对话框单击“确定”按钮。 如果要再次显示开始页，可以通过选择“编辑”|“首选参数”命令，打开“首选参数”对话框，然后在“常规”类别中设置“启动时”选项为“显示开始页”即可。 在“开始页”，选择“创建新项目”下的“Flash文档”，这样就启动Flash8的工作窗口并新建一个影片文档。如图1-11所示。图1-11 Flash 8的工作窗口 Flash 8的工作窗口由标题栏、菜单栏、主工具栏、文档选项卡、编辑栏、时间轴、工作区和舞台、工具箱以及各种面板组成。
最新发布
充满感觉的街头精彩摄影作品技巧简单分析
街头摄影，可以是杂乱无章，也可以是充满感觉，当中的技巧又是什么呢?怎样可以拍出精彩的街头摄影作品呢?让我们简单分析一下。怎样拍出这照片? 技巧一：拍出暖色调 晚上的灯光可以是冷白色，也可以是暖的金黄色，而这张照片的金黄色调能带出和暖、怀旧、电影的感觉。要拍出这种色调非常简单，只需把相机的白平衡设定调到闪光灯或高一点的K值(如7000K)，这样出来的颜色便会偏黄的了，最终效果便有待你自己慢慢调整。 技巧二：三分法构图技巧 三分法构图是一个常常会用到的拍摄技巧，只需要把画面水平或垂直割成3份，然后把主体放在线上便可。这样拍出来的照片会变得和谐、有层次。这张照片的单车便放在三分线上了。 技巧三：正确曝光 如果我们使用光圈/快门优先并直接拍摄这张照片，相机可能会因为车头灯太亮而令照片曝光不足，这时我们可以使用相机内置的曝光补偿功能(+/-EV)令主体曝光回复正常。 技巧四：适当使用高ISO感光度 街头拍摄讲求随意、随心的说故事，并不适合使用脚架，但于晚上拍摄会使快门变慢，因此我们可以适当地使用高ISO(如ISO 1600、3200不等)，务求令快门进入安全快门速度。可能你会问高ISO不是会使噪点提升吗?当然会的，但其实噪点高总比照片模糊好，而且街头摄影带一点点噪点可能会有更好的味道。 技巧五：浅景深带出主体
芭蕾舞者的纯情
摄影师 Mark Olich Mark Olich 出生于1974年，学习绘画出身，后转入摄影领域，完成了两部具有代表性的摄影作品《剧场速写》和《幕后芭蕾》，作品均以描写芭蕾舞为主，在世界范围内产生了很大的影响，作品被多家机构和个人收藏。 俄罗斯摄影师马克· 奥利奇(Mark Olich)的故乡圣彼得堡是俄罗斯芭蕾舞的摇篮。俄罗斯芭蕾算得上是世界上最夺目的艺术瑰宝之一，圣彼得堡独特的芭蕾风格反映出了这个城市的独特魅力。在圣彼得堡芭蕾舞演员的舞蹈中，形体的和谐像“水城”的河流般柔软而富有韧性。芭蕾舞将这个“北方之都”诗一般的美景以及有着清傲气质和高贵血统的艺术家神奇地融合在一起。 早在前苏联时期，马琳斯基剧院的基洛夫芭蕾舞团就因其将传统和创新成功地结合而闻名于世。这个来自圣彼得堡的芭蕾舞团在纪律上也进行军事化管理：没有任何军事操练能像这些天鹅的复杂的造型那样准确无误。每个芭蕾舞者都能做出其他人的舞蹈动作，他们上半身的舞蹈动作能做到一模一样。这为他们幕后的受训生活添加了传奇色彩。 马琳斯基剧院的俄罗斯芭蕾舞者们，在舞台的灯光下绽放，舞者的一颦一笑都如此典雅别致，身上洒落的余晖都能吟唱出柴科夫斯基的乐章。马克· 奥利奇的灵感来源于这个传奇的马琳斯基剧院的芭蕾舞者，他用自己的摄影语言创作出了一系列耀眼的芭蕾舞精灵的相片。 她们浪漫的舞步背后是辛苦的训练，从奥利奇的《剧场速写》和《幕后芭蕾》等系列作品中，舞者们熬夜苦练的情景，或是排练与中场休息时的镜头，向我们透露了那些童话中走出的女孩们的幕后故事，甚至还有些隐藏其后的秘密。摄影师的画面注重形式感，将芭蕾舞的美好不遗余力地渲染到极点，而那些背后的辛酸与汗水，只有在一个个完美的瞬间中自我揣度了。因为正是这些舞者们完美的表演和团队的和谐使得芭蕾舞剧成为最荣耀的经历。 奥利奇的摄影作品中以跳芭蕾的女孩为主要拍摄对象，同时作为一名画家的他，将画面与油画作品相融合，使得真实影像犹如艺术沙龙照般柔美。他将纪实影像拍得如梦如幻，对剧场光线的纯熟运用，对周围环境的熟悉，使得他的每一幅作品无论从构图、角度还是光线，都那么精确细腻又浑然天成。宛若摄影师悉心安排下的一次偶遇，或是画家笔下的唯美瞬间。对芭蕾舞蹈者而言，他们的荣誉远比华美的外表重要。 排练的中的休息时间，摄影师透过幕布，窥视一对少年舞者 彩排的现场，舞者们围绕在导演的周围 摄影教程
摄影新手拍摄操作常见错误问题
1. 太早放弃 这一点很多人都犯过。他们在相机和摄影技巧课程/书籍上花了大把的钱，旅行去一个很棒的拍摄地点，然后很快就——因为有点累、饿或者无聊——放弃了。还有很多人没有在一个地方花太多精力，也许是觉得第一张照片就足够好了。但经验告诉我们，最好的照片往往出现在尝试过所有视角之后。 如今网络上已经有不计其数的照片，如果你想得到一些不同的结果，就必须付出更多时间和精力。你比别人多坚持一会儿，就能成为更好的摄影师。 2. 用广角镜头拍人像 当你打开便携数码相机时，镜头一般都位于广角端。大部分单反相机镜头为了容易装进摄影包，在收起时也位于广角端。因此广角就成了很多人的默认选择。但是广角镜头的畸变并不是非常适合人像摄影，特别是拍人物特写时。除非你刻意追求这种效果，否则请记得把镜头转到长焦端。长焦镜头往往能拍出更有魅力的人像照片。 3. 拍出晃动模糊的照片 这一点也许人人都应该检讨一下。在1/8s甚至1/80s这种快门速度下，相机对晃动非常敏感。初学者往往意识不到，而略有经验的摄影师则认为自己端得很稳。如非刻意，抖动模糊的照片通常都不受欢迎。很多摄影比赛和杂志都不会用模糊的照片。 拍出清晰照片最重要的一点就是保证相机稳定，而最好的方法就是用三脚架。但是我们都不能总是随身带着三脚架，这也没有关系。现在很多镜头都有防抖功能，而且相机的高感效果也在不断提高。所以除了寻找支撑物尽量保持稳定之外，也不要害怕提高ISO感光度。 4. 拍建筑时靠得太近 在近处拍摄建筑，为了取到全景就需要仰起相机，或者使用广角镜头。这样做会让垂直线变成向一个点汇聚的斜线，或者出现很明显的畸变。如何才能做到让平行线在照片中也是平行线呢?理论上讲，你需要让相机焦平面与建筑物平面保持平行。这其中涉及很多摄影技术和方法。
摄影技巧之取景器里的学问
对于拿相机的人而言，眼睛和取景器之间有着十分暧昧的关系，我们通常在98%的情况下将眼睛贴近它们来获取图像;当我们从取景器里进行构图拍摄时，是否根本忽略掉了在取景器中显示的这些数据、符号呢?现在让我们来看看这些小玩意儿到底有什么用处! 你认识它们吗? A选择好你的焦点位置 B检查取景框里的画面边缘 C检查主体是否在画面中心位置 D查看是否需要加减曝光 E确定你是否需要开启闪光灯 F查看快门设置是否适合捕捉画面 G看是否需要用光圈控制景深 H以拍摄现场光线调整ISO数值
尼康70-200mm f4G ED VR镜头
最近一直在寻找合适的拍摄主题，正巧日本心鞠啬切胙卧市的红叶进入旺盛期，于是想在红叶林尝试一次徒步旅行，顺便也可以在其中寻找合适的拍摄素材。整个旅行需要走不少山路，所以需要尽量减轻器材重量，主打轻量便携的尼康D600与70-200mm f/4G ED VR镜头组合自然就成了合适之选。 相机数据： 机身：尼康D600 镜头：尼康AF-S 尼克尔 70-200mm f/4G ED VR 快门：1/125秒 光圈：f/8 感光度：ISO 100 曝光补偿：-0.3EV 曝光模式：光圈优先 白平衡：晴天
【人像摄影技巧】慢门成就动感的夜景人像
关键技巧： 1.现场光线很难找到合适的拍摄场景，所以慢门拍人像比较局限。 2.慢门的速度要控制好：过长现场曝光会过爆，过短没有光影效果，现场慢慢调试得到理想效果。 3.一般情况下外拍灯和闪光灯是必须要带的。 拍摄想法：一组体现都市职场女性夜生活的时尚片子 拍摄环境：酒店门口，大马路 前期准备：外拍灯和闪光灯 拍摄参数：Canon 5d markII F3.5 1/3秒 焦距57mm 无闪灯 ISO100 流动光线： 动感光线是拍摄时按下快门后迅速晃动镜头，由于是长时间曝光(1/3秒或更长时间)，所以在晃动镜头的瞬间，仍然不断在对现场光源进行曝光，形成动感光线效果。
作品赏析：黑洞，颜料迸发瞬间之美
Black Hole》(黑洞)是瑞士摄影师Fabian Oefner拍摄的一组高速摄影作品，画面抽象却又拥有莫名的吸引力。 拍摄前，他把颜料涂抹在一根铁杆之上，另一端使用电钻驱动。在电钻启动的瞬间颜料随之转动迸发出来，这时利用闪光灯将这一精彩瞬间拍摄下来。 不同的色彩组合，再加上其他随机因素，成就了这组独一无二的照片。
摄影与真实：电脑是否会取代相机？
以上这张照片，是100%“伪造”的，没有这样的摆设，没有这样的灯光，没有这样的背景，甚至根本所有镙丝都不存在，全部都是用电脑“制造”出来的。但如果欺骗说，这是某静物摄影师的摄影作品，恐怕没有人敢质疑。来自摄影师Mark Meyer一篇精彩分享：《摄影师，你正在被软件代替》(Photographers: You're Being Replaced by Software)。是的，今日摄影受到严峻的挑战与考验。 或者你会说：“电脑高手要伪造什么的都很容易，但普通人都情愿用相机吧。”其实作者只是用了一个相对方便简单、开源而且是免费的软件Blender来制作。那种只有皮克斯或迪士尼才可以造出维肖维妙影像的年代，已经悄悄褪去，电脑仿真技术平民化，是一件不可逆转、越来越急促成真的事实。 相机曾经是展现真实影像的最有效工具，快速、操作简单、弹性大，这个垄断在数码摄影发展这十年来是显而易见的。换句话说，你想认识一件事物的真实外表，例如某只蝴蝶的外貌，怎样做?二百年前是绘画，这个年代一定是拍照，又快，又方便。但好景不常，这个场正被CG(computer graphic)不断蚕食。 不需把iPhone掉进水里，甚至你根本不需要有iPhone，就可以轻易制作出以下图片： 例如你在杂志上看到一瓶香水的广告照片，大家早就知道当中动了很多后期手脚。但再过不久，广告商根本不需要请摄影师拍照，不需要找一堆灯光设定、也不需要真的拿出一瓶香水，就可以用更便宜更快速的方法，用电脑制作同样效果，无中生有。汽车广告如是、餐厅广告也如是，甚至时装服饰也不再需要请模特儿，不用再为什么太瘦太肥去争议，也没有肖像权问题。然后，我们根本无从得知这是否照片，或是CG，而更重要的是我们本来就不在意洗发水的照片是否真有其事。 没错，摄影曾经是真实影像的最佳代言人(尤其相比绘画)。但摄影最大的价值并不在此，这个道理其实大家都明白，只不过一直以来都没有认清这个概念。举个例，假如你举行婚礼之后，得到两组婚礼的照片，一批是摄影师当日亲身来到现场替你拍照的，而另一批则是由电脑技术员用电脑仿真制作出来的，但两组照片看上去根本不会觉得有什么分别，你会选择哪一批?我猜想大多数人都宁愿要摄影师的。 因为摄影最核心的价值，并非影像的真实程度，而是影像在制作时，以何种方式与真实世界连系。 同样是残忍惨烈的战争影像，以电脑模拟出来的作品，永远都比不上亲赴战场前线的摄影师所拍下来的照片，不单是影像的真实与感觉，而是这种见证的方式才是摄影最伟大的资产。将我们亲眼所见之物拍摄下来，不论对于拍摄者来说，或是对于观众来说，都是无可取代的经验。 在软件Blender里的情况 讽刺的是，我们很多摄影师都在追逐着画面的完美，用各种方法，让照片看上去如CG般无可挑剔;但CG技术员，则调过来用尽方法让CG看起来像照片。而客观事实是，人们对完美图片的需求可以用软件取代，唯独是让影像与现实世界建立一个直接关系的作品，让我们从照片里看到这个世界发生什么事，才是摄影最重要，也最不可能被软件取代的地方。再换句话说，摄影的核心正是摄影师、现实世界与及观众的内在交流(类似于荒木经惟所说的3P)。
美食拍摄入门小技巧
摄影：chanelcoco872 曾听过一个同样爱好摄影的朋友感慨过：“能拍得好食物，就能拍得好照片。”可是并不是每个人每次都会带着沉重的单反相机去吃饭，如果还要再带一个反光板、或者自制光源，那么就更夸张了。其实，日常生活中，一部iPhone、一个小巧的卡片机，就可以随时练习拍摄颜色诱人的食物。以下是一些拍摄食物的小技巧： 一、寻找最佳光源 光线问题是室内拍摄食物的大问题，很多室内餐馆的灯光并不明亮，而且色调偏黄，会让整个照片噪点过高、曝光不足或者白平衡偏离，拍出来的食物完全不像肉眼看起来那么色泽诱人。 阴影也是室内拍摄食物的大敌，往往将相机或手机靠近的时候，自己的影子也映到了食物上。专业摄影师可以利用反光板或人造光源解决这一问题。而我们在日常拍摄的时候，最好的办法就是调整多种拍摄角度。 小技巧： 尽量靠近自然光或较亮处就坐。 调整相机的白平衡设置，可以用白色餐纸做调校工具，将餐纸在取景器里的颜色调至最接近白色。 利用拍照APP的各种滤镜，创造不一样的效果。 利用iPhone的Hipstamatic在自然光下拍摄
掌握废墟摄影6条技巧
很多情况下，摄影爱好者们总是倾向于去寻找最原始、最美丽的场景去拍摄美景。然而今天，我们一起来跟studiotempura.com网站的作者Chris Folsom一起分享他去拍摄那些被遗弃的废墟的经验吧。 作者注：被遗弃的建筑、废墟是我最喜爱拍摄的题材之一。久而久之，我积攒了一些有用的经验，希望它们会帮助你最大程度的来展现这类废墟环境。 1.带上一只手电筒 对于一位将要去一座被遗弃的建筑进行拍摄的摄影爱好者而言，我能为他提供的最为重要的一条建议，就是：带上你的手电。这类场景大都没有供电，并且自然光很有限。因此，你需要一只手电来帮助你观察、记录你所偶遇的昏暗的每一间屋子和每一条走廊。 更重要的是，手电可以提供离机光源的功能，从而制造一种有趣的效果。我有一只小型LED手电，我总会将其放在我的摄影包里，并且在长时间曝光时，很常用它来照亮画面中的部分区域。当然闪光灯也可以完成这项任务，不过手电筒可以让你更精确的去控制光线，你可以直接的控制让光将哪里照亮、照亮多久。当使用闪光灯可能造成不舒服的阴影区域时，用手电筒就可以避免这一情况的发生。 你需要一定的练习才能获得对光线的感觉，了解自己究竟需要多少光线才足够。但是一旦你掌握了它，那么你的拍摄结果将会是很令人满意的。 2.三脚架：必带 由于我们前面提到过，在这种场景下的光照很有限，所以压根不用说：很显然，你需要一只三脚架。在这些场景里，我拍摄的大半图片都使用了三脚架，进行长时间曝光，有些几秒，有些长达二三十秒。 当我没有三脚架可用时，防抖和大光圈镜头也可以凑合发挥一下。我最喜欢的镜头是17-50mm f/2.8大光圈镜头，结合我的机身防抖功能。开大光圈，我通常可以在1/10秒左右的快门速度下取得清晰的成像。当然，大多数情况下，还是在三脚架上进行拍摄所得到的结果更锐利。 3.控制曝光